Tanto si se considera a Disney como una fábrica de imaginación benévola o una corporación malvada empeñada en dominar el mundo, nadie puede negar que es responsable de la gran mayoría de las mejores películas de animación de todos los tiempos. Desde que cambió las reglas del juego con Blancanieves y los siete enanitos en 1937, la empresa ha producido casi un siglo de películas de dibujos animados, muchas de las cuales se pueden encontrar ahora en el tesoro que es Disney+ y que son muchas de las 100 mejores películas de animación de la historia.
Pero eso no quiere decir que todo lo que ha producido la Casa del Ratón merezca ser revisado. Su larga historia está marcada por picos increíblemente altos y algunos valles muy bajos. Por cada clásico que te transporta instantáneamente a la infancia, hay al menos cinco secuelas directas a vídeo y remakes innecesarios, junto con fracasos rotundos que probablemente deberían permanecer encerrados en la cámara del olvido.
Tanto si se trata de una película de animación como de una aventura de acción real, no podemos evitar disfrutar de todo lo que ofrece la Casa del Ratón. Ahora queque existe Disney+, nos hemos sumergido en el catálogo para disfrutar de algunas de las películas favoritas de nuestra infancia e incluso para explorar algunas películas más recientes. Nunca es un mal momento para ver una película de Disney.
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La lista de películas de Disney de cada uno será diferente, y ahora que el gigante mediático ha adquirido Star Wars y Marvel, hay un número abrumador de buenas películas entre las que elegir. Para mi lista, sin embargo, sólo me centraré en las películas que me hicieron sentir esa magia clásica de Disney. Si buscas una lista más amplia de opciones, también tenemos una lista de las mejores películas de Disney+ para ver en streaming ahora mismo. Para ayudarte a separar los Wall-Es y los Dumbos de los mayores fracasos de la compañía, nos hemos sumergido en el catálogo de Disney y hemos reunido 60 películas imperdibles para tu noche de cine familiar. Desde la Edad de Oro hasta el Renacimiento, pasando por Pixar, estas son las mejores películas de Disney de la historia.
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60
'El retorno de las brujas'
Sarah Jessica Parker, Bette Midler y Kathy Najimy son las hermanas Sanderson, tres brujas que son resucitadas durante la luna llena por un adolescente (virgen) en el Salem actual. Si no has visto este clásico de culto en un día que no sea Halloween, ¿qué estás haciendo con tu vida?
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¿Sabías que la vida no está completa hasta que ves la película en la que Owen Wilson interpreta a un coche de carreras de alto nivel? ¿No? No te preocupes, aún estás a tiempo.
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Es decir, que esta película tenga un lugar en la lista es simplemente obvio. Yo diría que High School Musical 2 es la mejor de la trilogía icónica, pero eso es una conversación para otro día.
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57
'El emperador y sus locuras'
De todas las frases bonitas que han salido del catálogo de Disney, nombra una casi tan conmovedora como "¡Tira de la palanca, Kronk!". Además, las pestañas de Yzma en esta película casi rivalizan con las de Kylie Jenner.
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¿Buscas una película que te obligue a una profunda introspección, todo ello con una divertida banda sonora de jazz? Esta es para ti. No sabía que una película que cuestiona los verdaderos propósitos de la vida pudiera ser tan alegre.
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Sí, esta película sólo dura ocho minutos. Son 480 segundos de pura magia. Este cortometraje ganador de un Oscar sobre una madre con el síndrome del nido vacío hará que no vuelvas a ver las albóndigas de la misma manera.
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Como si necesitaras más razones para huir a una ciudad costera italiana. Este cuento de fantasía muestra la belleza de la amistad, con una pizca de inspiración vacacional.
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53
'El regreso de Mary Poppins'
La improbable secuela de Disney, que llega 54 años después de la fantasía original, es un riesgo que merece la pena. Mary Poppins Returns es un musical que mira hacia atrás, ambientado en el Londres de los años 30. Aun así, es una delicia para el público de todas las edades, con destellos de humor que se cuelan en el guiño de ojos de Emily Blunt, que ronronea con su impecable pronunciación.
El descenso de Mary desde el cielo con ayuda de un paraguas es un momento de alegría y de pararse (al igual que un cameo de Dick Van Dyke, de 92 años de edad), pero hay una satisfacción más profunda en la canción y el baile.
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Con una oda a la mitología griega y una banda sonora repleta de temas gospel, Hércules sigue la historia de un joven que es mitad humano y mitad dios. Esto le hace perder su inmortalidad, pero si está dispuesto a aceptar el reto, puede recuperarla y conseguir un lugar entre los dioses del Olimpo. Se trata de la última etapa de Disney en su forma más extraña, una rara película del estudio más prolífico del mundo que puede considerarse realmente infravalorada.
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Un viaje de diversión fluorescente a través de un imaginario universo de juegos de arcade que hace cosquillas al espectador con ingenio y nostalgia de última generación. Ralph (John C. Reilly) es el antagonista demoledor de un rudimentario videojuego de 8 bits en la línea de 'Donkey Kong'. Anhelando ser un héroe, se adentra en el complejo universo interior del salón recreativo para encontrar un juego alternativo que le dé un papel diferente.
Pero se encuentra atrapado en el purgatorio de la carrera de karts para chicas Sugar Rush Speedway, donde une fuerzas con su compañera Vanellope (la encantadora Sarah Silverman) para jugar con el sistema en su propio juego, por así decirlo. Hay mucho más que eso en este mundo de la historia plagado de reglas, ¡tendrás que verlo para comprobarlo!
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En cierto modo, Brave es la película más tradicional de Pixar. Ambientada en la Escocia medieval, es una fábula sobre una joven princesa rebelde llamada Mérida y cuenta con encuentros con brujas, excursiones a bosques profundos y oscuros y algunos osos muy expresivos. En otros aspectos, sin embargo, también está muy lejos de Blancanieves y otros. Aquí no hay príncipes azules: todos sus pretendientes masculinos son unos completos inútiles. En su lugar, la película utiliza el folclore escocés para explorar los vínculos y tensiones únicos de las relaciones madre-hija. Y su animación es decididamente del siglo XXI: El pelo rojo fuego de Mérida es prácticamente un mundo en sí mismo.
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La familia superpoderosa favorita de todos, los Parr, regresa en esta secuela que pone a Elastigirl en el centro de la escena. Después de que una misión salga desastrosamente mal, el gobierno cierra el Programa de Reubicación de Superhéroes, cortando la ayuda financiera de nuestros héroes. En un intento de hacer algo de dinero y rehabilitar la imagen de los superhéroes, Elastigirl es reclutada por una empresa de medios de comunicación y telecomunicaciones. Naturalmente, las cosas no son lo que parecen, y el resto de la familia debe acudir en su ayuda.
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Disney retoma una figura histórica en este romance musical. Viaja al siglo XVII con la joven Pocahontas, una heroína nativa americana que se enamora del capitán John Smith, un interés amoroso que su padre desaprueba. La película juega con la historia real en este filme decididamente menos romántico, pero sus mensajes de aceptación y ecologismo suenan a verdad.
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47
'Cariño, he encogido a los niños'
Wayne Szalinski está convencido de que sus inventos no sirven para nada. Se deshace de su rayo encogedor, sin darse cuenta de que, de hecho, funcionó... y convirtió a unos cuantos niños en versiones de sí mismos en tamaño de un bocado. Venga por las hormigas gigantes, quédese por la deliciosa y extraña actuación de Rick Moranis.
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No es fácil ser verde. Pero para Disney ha sido aún más difícil capturar la magia de los queridos muñecos de fieltro de Jim Henson desde que tomó el control de Kermit y compañía en 2004. Disney no ha hecho más que un éxito de Los Muppets, pero es una maravilla. Con un guion reverente de Jason Segel y una sobrecarga de nostalgia amorosa, es una película de los Muppets para los viejos y nuevos fans de los Muppets.
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Stitch es el perro de Lilo... o eso cree ella. La joven hawaiana confunde accidentalmente a un alienígena con un cachorro. ¡Detalles menores! Parece que esta tonta confusión podría haber sucedido por una razón cuando Stich comienza a entender el significado de la familia. Se trata de una desviación salvaje del estilo de la casa Disney de la época, pero también es una explosión de principio a fin. Impagable la banda sonora con grandes éxitos de Elvis.
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Sin duda, sus hijos le pedirán un adorable robot sanitario hinchable después de ver esta película llena de acción pero sorprendentemente emotiva. Basada en los cómics de Marvel del mismo nombre, sigue a Hiro Hamada, un adolescente pródigo en robótica, que forma un equipo de superhéroes con el robot sanitario de su hermano fallecido, Baymax, y un grupo de niños altamente cualificados. Juntos, deben acabar con los malos responsables de la muerte del hermano de Hiro.
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La mayoría de los remakes de acción real de Disney han sido pálidas imitaciones de los originales. Por su parte, mejora drásticamente el irregular original, prescindiendo de los números musicales y adoptando una visión más sentida de los viajes de un huérfano y su amigo dragón. Curiosamente, esta película es obra de David Lowery, el director de El caballero verde y Una historia de fantasmas, dos películas decididamente adultas cuya inventiva visual y resonancia emocional parecen encajar perfectamente en esta renovación de Disney.
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42
'Raya y el último dragón'
Había una vez dragones y ahora... bueno, no tanto. Este es el punto de partida de una alegre aventura que presenta a la primera princesa del sudeste asiático de Disney, Raya (Kelly Marie Tran, de Star Wars), y la pone en la búsqueda de la armonía en un reino desgarrado por las malas vibraciones. Junto a ella está el descarado dragón Sisu (queda un dragón).
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41
'Tú a Londres y yo a California'
Sólo hizo falta un verano para sabotear por completo el plan de Nick y Elizabeth. Tras una desagradable ruptura, los dos deciden seguir sus propios caminos, separando a sus hijas gemelas en el proceso. ¿Quién iba a pensar que las niñas se unirían en un campamento de verano 11 años después? Una vez que las hermanas pelirrojas desentrañan el pasado de sus padres, idean un plan propio para cambiar de lugar. ¿Sus esfuerzos resultarán en una reunión familiar exitosa?
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La película de Disney es una vibrante celebración de la familia con una colección de melodías del compositor de Hamilton y Vaiana, Lin-Manuel Miranda. La historia sigue a Mirabel, una joven que lucha contra el hecho de ser el único miembro "normal" de una familia que rebosa de habilidades mágicas. Ambientada en la exuberante Colombia -y, por tanto, con adorables carpinchos-, la película es una explosión de color tanto como una celebración de la individualidad. Son muy especiales las interpretaciones musicales que aportan Carlos Vives y Sebastián Yatra a la B.S.O.
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Mulan no deja que nada se interponga en su camino. Teme que su padre enfermo se vea obligado a servir en el ejército. Es entonces cuando se le ocurre la idea de disfrazarse de hombre, un acto muy prohibido. Al más puro estilo Disney, también hay algo de romance en el camino, pero también es un ejemplo impresionante de las maravillas que la vieja escuela Disney podía reunir cuando trabajaba en modo de película de acción.
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En una divertida vuelta de tuerca a la fórmula de las princesas Disney, la encantadora Amy Adams interpreta a una cantante de la realeza que se ve arrastrada al mundo real. La comedia del pez fuera del agua es de oro cuando la princesa Giselle descubre que Nueva York no es exactamente el tipo de reino al que está acostumbrada. Además, la futura Elsa de Fronzen, Idina Menzel, tiene un pequeño papel y la mismísima Mary Poppins, Julie Andrews, es la narradora.
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Judy Hopps sueña con entrar en el cuerpo de policía y abandona su granja y su familia para ir a la bulliciosa metrópolis de Zootopia con el fin de lograr este objetivo. Como primera coneja del equipo, no es tomada en serio por sus compañeros policías. Cansada de redactar infracciones de aparcamiento, Judy decide aceptar un caso de desaparición para demostrar su valía. Cuando consigue la ayuda de Nick Wilde, un estafador que de inicio no está dispuesto a echarle una pata, la pareja se ve inmersa en una madriguera de pistas, escándalos, llamadas de atención... y un sorprendente comentario sobre el racismo.
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Con esta actualización de El Príncipe Rana, Disney consiguió una última y una primera vez: es el último largometraje dibujado a mano del estudio, y el primero que presenta a una princesa negra. Pero, dejando de lado los puntos de referencia, Tiana y el sapo es una maravilla, que combina la música de jazz de Nueva Orleans con una emocionante aventura, personajes divertidos y uno de los villanos más aterradores que han salido de las plumas de los artistas de Disney. Fue el fin de una era y el amanecer de una nueva, y sigue siendo uno de los esfuerzos más infravalorados de Disney.
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El cuento de princesas de Disney de 2016 -que está notablemente ausente de cualquier tipo de príncipe, encantador o no- sigue a la intrépida heroína polinesia Vaiana (Moana en la versión original). Aunque es joven, se enfrenta a una gran tarea: salvar su isla de una terrible maldición. Une sus fuerzas con el legendario semidiós Maui en un intento de librar a su isla de una plaga y devolver el equilibrio al mar. Es una preciosa fábula que se hace aún más emocionante gracias a las inolvidables canciones de Lin-Manuel Miranda.
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Este filme es una joya curiosa en la corona de Disney. El título en la versión original como Bedknobs & Broomsticks, literalmente bolas de cama y escobas, hace referencia a los dos elementos mágicos claves en esta película. En ella nos adentramos en la historia de Eglantine Price (interpretada por la tierna y recientemente fallecida Angela Lansbury), una aprendiz de bruja a cargo de tres niños londinenses que han sido evacuados de los bombardeos nazis.
Lo curioso es que es justo entonces cuando empieza la aventura para los cuatro, o más bien cinco, pues son acompañados por el mentor de esta joven bruja, Emilius Browne, en quien reconocemos a David Tomlinson (el señor Banks de Mary Poppins). Entre dibujos animados y la brujería, este curioso equipo combatirá a los alemanes en una metáfora de consumo familiar sobre el triunfo de los Aliados.
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Se puede acusar a Disney de suavizar muchas cosas en la creación de sus cuentos animados, pero escatimar en villanos nunca ha sido parte de su enfoque. Hay pocos malvados de Disney tan memorables como Cruella de Vil, la arpía que entra en la casa de Roger y Anita, recién casados, con el sonido de un trueno y en medio de una nube de humo de cigarrillo. Cruella, una vieja amiga de la demasiado simpática Anita, se empeña en despellejar a los 99 cachorros de dálmata de ambos. Sin quererlo, pone en marcha una trama en la que el mundo animal local se levanta para derrotarla a ella y a sus secuaces (e inspira al compositor Roger a escribir una nueva y pegadiza cancioncilla sobre la horrible y asesina conocida de su mujer). La animación es más sencilla que la de su predecesora, La Bella Durmiente, que no tuvo tanto éxito, pero la película tiene un encanto metropolitano, especialmente en su descripción de las calles, casas y parques de los suburbios de Londres.
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Pinocho es la más mágica de las películas de animación, un punto álgido de la invención cinematográfica. El segundo largometraje de Disney -que originalmente fue un fracaso de taquilla- comienza con un grillo que canta dulcemente, pero se sumerge en escenas de pesadilla: frente a un público abucheado en un escenario de feria; en el vientre de una ballena monstruosa; más allá de todo reconocimiento humano. (La extensión de la nariz de Pinocho es la metáfora más siniestra y profunda de la animación). Resulta asombroso pensar que este material está destinado a los niños, pero ese es el poder que tiene, un conducto para la agitada corriente subterránea de la formulación de la identidad.
La conclusión es difícil de discutir: no mientas, ni a ti mismo ni a los demás. Los teóricos de la cultura han debatido durante décadas sobre Pinocho en términos psicosexuales o como guía para la asimilación de la clase media. Pero esas lecturas son como abrir una bola de nieve para ver que sólo es agua. La película, una aventura en espiral salpicada de vergüenza, rehabilitación, muerte y renacimiento, contiene un universo de sentimientos. Pinocho seguirá siendo inmortal mientras dibujemos, pintemos, contemos cuentos y deseemos estrellas.
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'Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra'
El truco de Jack Sparrow se ha quedado anticuado, pero la primera adaptación extraña de Disney de su popular atracción de parque temático sigue siendo un buen rato de diversión. Fantasmas, piratas, espadachines y monos espectrales convergen en una película que nunca podrá ser igualada, por muchas secuelas que Disney haga. Puede que Jungle Cruise haya tomado prestada la plantilla, pero el Piratas original sigue siendo el rey de Disneyland en la gran pantalla.
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Para muchos de nosotros, Bambi representa muchas primeras veces: la primera vez que lloramos en el cine, cuando... ya sabes cuándo; la primera vez que nos dimos cuenta de que a los adorables ciervos les pasan cosas muy malas. En 1942, Walt Disney describió Bambi como "la mejor película que he hecho nunca, y la mejor que ha salido de Hollywood". El equipo de Pixar es un gran admirador, y argumenta que, desde el niño hasta el adulto, Bambi contiene algunas de las animaciones más encantadoras de Disney (Walt instaló un pequeño zoológico en el estudio para que su equipo estudiara los animales). Y en la lista de actores secundarios de Disney, el conejo Thumper (Tambor) es un grande de todos los tiempos. A pesar de su reputación de sentimentalismo, la escena final de la película -Bambi abandona a su pareja y a sus cervatillos recién nacidos para reunirse con su padre en el bosque- es la representación del deber.
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Inspirada en los cuentos clásicos de Charles Perrault y de los hermanos Grimm, esta película de animación de Disney fue inicialmente un fracaso en taquilla, posponiendo el regreso de la compañía al territorio de los cuentos de hadas durante tres décadas hasta La Sirenita de 1989. Al verla hoy en día como una película para niños, resulta sorprendente lo realmente espeluznante y aterradora que puede llegar a ser La Bella Durmiente, sobre todo cuando la princesa Aurora es conducida a la fatídica rueca de costura por la malvada bruja Maléfica (que mucho más tarde tuvo su propia encarnación de acción real en la forma de Angelina Jolie). El enfrentamiento final con tintes góticos entre el príncipe y Maléfica (que adopta la forma de un dragón) en los bosques y el castillo de la decadente Montaña Prohibida es impresionante y probablemente hará que los niños se escondan bajo los muebles durante semanas.
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Esta debe ser la película más audaz de Pixar hasta la fecha. Tomando como referencia las peores proyecciones imaginables de la destrucción medioambiental de nuestro planeta, Wall-E imagina la Tierra en el año 2805 completamente desprovista de seres humanos. El único objeto animado que queda es un viejo robot oxidado diseñado para recoger residuos (su nombre significa Waste Allocation Load Lifter, Earth Class). Se trata de un raro largometraje de animación popular que ofrece una visión desafiante y furiosa del futuro. Y, además, es casi una película experimental: durante sus primeros 40 minutos, más o menos, observamos con asombro cómo Wall-E realiza su trabajo en la Tierra en un silencio casi absoluto. Es prácticamente una película muda, lo que significa que el guion se basa en gran medida en gags visuales, mensajes y señales. Las últimas escenas de la película traicionan ligeramente la promesa de su primera e impresionante mitad cuando nos trasladamos a una frenética y horrible estación espacial en la que viven todos los humanos que quedan, pero incluso entonces la visión de la película sobre la locura del hombre no es menos cortante. A pesar de su tranquila rabia, Wall-E también es un romance, y cuando, de vuelta a la Tierra, aparece un segundo robot, Eve, nos encontramos animando una incipiente unión de una manera que sólo Pixar podría inspirar.
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Puede que Disney tenga mala fama por convertir los mejores cuentos populares del mundo en parábolas moralistas de carácter americano, pero hay ocasiones en las que realmente funciona. Robin Hood es un buen ejemplo: La decisión del director de El libro de la selva, Wolfgang Reitherman, de trasplantar los tropos de las películas del Oeste a la vieja Inglaterra debería haber conducido al desastre, pero la película resultante es tan dulce, tan desenfadada y tan simpática que resulta imposible resistirse a ella. El minúsculo presupuesto ha hecho que secuencias y personajes enteros hayan sido tomados al por mayor de éxitos anteriores de Disney, pero de alguna manera esto sólo contribuye al encanto sin pretensiones de la película.
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'Alicia en el País de las Maravillas'
Walt Disney llevaba tiempo queriendo adaptar a Lewis Carroll, y cuando lo hizo, el resultado fue lo suficientemente fiel como para calificarlo como una de las ofertas más extrañas del estudio. Evocando las ilustraciones originales de los libros de John Tenniel, pero con más de un toque de dulzura de Disney, la película en su conjunto es esclava de la singular imaginación visual de Carroll y de su juego con el lenguaje. Pero no sabe cómo convertir la odisea episódica de la colegiala Alicia siguiendo al conejo blanco en algo parecido a una historia satisfactoria. Uno sólo puede imaginar lo que el público pensó de ella en su momento, asediado por orugas que aspiran a una hookah, hongos alucinógenos, la fiesta del té del Sombrerero Loco y una Reina de Corazones evidentemente psicótica.
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Al principio, la locura de Walt Disney fue un perro comercial, poniendo en serio peligro los resultados de la compañía con los extravagantes costes de las giras (incluida la instalación de Fantasound, la primera presentación teatral en estéreo). Sin embargo, las reediciones y las modificaciones acabaron por hacer que la película fuera rentable y que se cumpliera un sueño más profundo. Fue una película que atrajo a los niños a la música clásica. También convirtió al director de orquesta Leopold Stokowski en una pequeña celebridad y produjo una banda sonora que fue un éxito de ventas. Entre los cortometrajes más memorables, Mickey Mouse protagoniza el fantasmagórico "El aprendiz de brujo", pero con selecciones musicales que van desde "La consagración de la primavera", de Stravinsky, hasta "La noche en el monte pelado", de Mussorgsky. Fantasía hacía mucho bien, creando un gusto mundial por el drama y la sutileza por igual.
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Rapunzel, de los hermanos Grimm, debió de suponer para la Disney moderna un pequeño quebradero de cabeza. Atrás quedaron los días en los que una princesa de Disney se pasaba las horas rondando una torre soñando con un caballero de brillante armadura que la rescatara. En esta versión (con la producción ejecutiva de John Lasseter, de Pixar), desaparece el apuesto príncipe y se sustituye por un ladrón egoísta, Flynn Ryder. La primera vez que se abre paso, Rapunzel le golpea con una sartén. Esta chispeante princesa se encargará de su propia huida, muchas gracias, haciendo girar todo ese pelo como un lazo. Enredados tiene energía y humor a raudales.
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Padres, ¿saben dónde están sus hijos? Tal vez estén siguiendo al espíritu travieso de Peter Pan más allá de la segunda estrella y directamente en el País de Nunca Jamás, donde los niños pueden ser niños a su antojo. La visión de hombres adultos amenazando a los niños con sables e incluso con una bomba de relojería hace que hoy en día resulte incómoda de ver. Sin embargo, la comedia, que pertenece a una época más inocente, sigue dando juego: el malhumorado Capitán Garfio sigue siendo un malo entrañable y falible, perseguido por un cocodrilo siempre voraz, mientras que la vigorosa acción sugiere que el equipo de Disney tenía un ojo puesto en la producción de los Looney Tunes de Warner Bros. Es algo superficial en general, pero sigue siendo la mejor adaptación de la obra de Barrie, perennemente desafortunada en la pantalla.
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'La Dama y el Vagabundo'
En esta aventura romántica, una reinterpretación intemporal del clásico animado de 1955, Reina, una cocker spaniel inteligente y mimada en su hogar, y Golfo, un perro callejero duro y charlatán pero adorable, se embarcan en una inesperada aventura y, a pesar de sus diferencias, se hacen buenos amigos y al final comprenden el valor del hogar.
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Incluso hoy en día, cuando se ve una película de Disney, el impacto de Cenicienta se puede sentir desde el primer fotograma: ese castillo icónico, el logotipo del estudio, proviene de esta película. Fue la apuesta decisiva que, de haber fracasado, habría significado el fin de Walt y compañía. En cambio, el éxito arrollador de su película le permitió financiar los parques temáticos y cimentar su nombre para siempre. Los elementos de la historia son los componentes básicos de la fórmula Disney: una heroína valiente y encantadora, unos animales auxiliares y la promesa de una transformación total. Sin embargo, también se innovó: los números musicales se encargaron, por primera vez, a expertos en Tin Pan Alley, mientras que se rodaron secuencias de acción real como modelo para la mayoría de las escenas.
Cenicienta es probablemente una de las princesas Disney más pacientes. A pesar de su mala fortuna, sigue teniendo esperanzas, incluso cuando su malvada madrastra y sus hermanastras le dan largas. Pero la joven ríe por última vez cuando su hada madrina la ayuda a reunirse con un apuesto príncipe en el baile. Repetirás esta película más rápido de lo que puedes decir "bibbidi-bobbidi-boo".
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Esta encantadora película de Pixar ambientada en París y dirigida por Brad Bird tiene un cierto aire a la Disney de mediados de siglo en su historia de una rata obsesionada con la comida, Remy, que acaba ayudando en secreto a un simpático pero extremadamente verde chef novato, Linguini, en un restaurante de clase alta de la ciudad. Es un gran ejemplo (hasta su título, un juego de palabras con el nombre del clásico plato francés) de la creencia de Pixar de poder arrastrar al público masivo con historias populares que pueden sonar excéntricas pero que se definen por personajes fascinantes, emociones verdaderas y por tener algo que decir sobre el mundo que nos rodea.
Parte del encanto de esta película es la relación entre Remy y Linguini y cómo se desarrolla hasta un punto en el que Linguini se ve obligado a recordar que su nuevo éxito se fundamenta por completo en la ayuda de su desconocido amigo roedor. Igualmente memorable es el personaje de Anton Ego, un temido y arrogante crítico gastronómico cuyas garras se retraen al probar un pisto que le recuerda su juventud. Su posterior crítica, una hermosa pieza de escritura que honra la creatividad y el talento, está seguramente cerca del corazón del propio proyecto Pixar.
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Dos años más tarde, La Bella y la Bestia recibió más elogios, pero fue esta alegre adaptación musical del sombrío y fatalista cuento de hadas de Hans Christian Andersen la que rediseñó la plantilla de la animación contemporánea de Disney y devolvió al estudio a la prominencia de la cultura pop. La fórmula -tomar una historia que todo el mundo conoce con una princesa valiente y añadirle un montón de melodías de moda y pegadizas- sigue funcionando, como demuestra el reciente éxito de Frozen. Pero junto a las ingeniosas contribuciones de los compositores Howard Ashman y Alan Menken, es la profundidad del anhelo por otras vidas y otras formas lo que le da a esta película resonancia emocional y poder de permanencia.
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18
'La Dama y el Vagabundo'
Ninguna de las producciones animadas de Disney habla mejor de la legendaria maquinaria del estudio que esta, tramada 18 años antes de su finalización. La historia se inspiró en una perra real, Lady, la mascota del escenógrafo Joe Grant (también coguionista de Dumbo), que empezó a dar forma al material ya en 1937. En la década siguiente, varios guionistas más trabajaron en los borradores, incorporando sus propias anécdotas caninas. A principios de los años 50, se aprobó una historia que funcionaba, pero la tecnología exigía un lienzo más amplio. Esta fue la primera película de animación que se realizó en CinemaScope (un dolor de cabeza mucho mayor para los dibujantes de lo que se imagina). En cuanto al famoso "beso de espagueti", un acto de coqueteo que ya es un clásico, Walt casi lo quita. El legendario artista Frank Thomas desafió a su jefe y realizó una versión en bruto que se impuso.
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Lo llamaron la locura de Disney. La producción de Blancanieves y los siete enanitos requirió años y millones de dólares, y una gran pregunta quedó sin respuesta hasta el día del estreno: ¿se quedaría el público quieto durante 83 minutos de payasadas de dibujos animados? Por supuesto, la película fue un gran éxito y supuso el inicio del dominio del tío Walt durante décadas en la escena de los dibujos animados. Puede que no fuera el primer largometraje de animación -ese honor lo ostenta El Apóstol, de 1917, del animador argentino Quirino Cristiani, aunque todas las copias han sido destruidas desde entonces-, pero fue el primero que se estrenó en todo el mundo y el primero que despertó en el público (y en los productores) el potencial aparentemente ilimitado de un medio totalmente nuevo.
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Coco es el intento más descarado de Pixar de cosechar todas las lágrimas humanas de la Tierra, una película de una manipulación emocional casi insoportable que apila sus golpes de tripa de forma peligrosa en un intento de estirar los primeros 15 minutos de Up en un largometraje. Sin embargo, Coco se eleva. Aunque es innegable que es la cúspide de la fórmula de Pixar de "todos los sentimientos", la película es también una alegre celebración de la cultura mexicana, de la música vibrante y de la importancia de la familia, resaltada por una vida posterior vívidamente colorida, repleta de criaturas fantásticas, personajes bellamente esbozados y un inteligente giro de villano. Al final, es difícil saber si se llora de pena, de alegría o de asombro. Probablemente de las tres cosas.
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'La Bella y la Bestia'
Este "cuento tan antiguo como el tiempo", un punto álgido del "Renacimiento" de Disney, es tan esencial para la reputación de la Casa del Ratón como Pinocho o Cenicienta. La Bella y la Bestia fue la primera película de animación en ser nominada al Oscar a la mejor película, y eso en la época en que había cinco nominados. Pero, dejando de lado los premios, la película es encantadora: exactamente como debe sentirse una fantasía romántica de animación. Puede que se encuentren versiones más duras de la fábula (nada se puede comparar con la maravilla de Jean Cocteau de 1946), pero hay una gran compensación a través de esta tanda de números musicales originales, incluyendo 'Be Our Guest', 'Belle' y la canción del título, cantada con especial ternura por Angela Lansbury. Todos ellos fueron creados por el letrista Howard Ashman y el compositor Alan Menken.
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Disney no podía imaginar que esta reelaboración del cuento de hadas de Hans Christian Andersen La Reina de las Nieves tendría un éxito tan asombroso, al igual que muchos padres no podían imaginar que las canciones y los vestidos de la película dominarían sus vidas durante tanto tiempo. ¿Por qué fue tan querida? Es difícil de decir: no es precisamente innovadora. Sin embargo, Frozen es dulce, ingeniosa y suavemente empoderadora, con una banda sonora de lujo, coronada por Idina Menzel cantando "Let It Go", que en España corrió por cuenta de Gisela (OT1).
Es de suponer que la problemática relación fraternal entre Anna y Elsa, esta última con peligrosos poderes para fabricar hielo, forma parte de la atracción emocional de la película, al igual que, seguramente, el poder embriagador de sus espectaculares vestidos y peinados. Frozen también cuenta con una gran cantidad de alivio cómico bien imaginado, incluyendo a Olaf, el muñeco de nieve cantante que sueña tontamente con el verano. Se trata de un melodrama de aspecto tradicional con un marcado pero sutil toque moderno.
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Hoy en día se da por sentado que la mitad de las películas más taquilleras del año serán dibujos animados. Incluso las secuelas animadas de menor calidad atraen al público que antes estaba reservado a Schwarzenegger y Spielberg. Puede que Buscando a Nemo no haya conseguido situarse en el primer puesto de la taquilla -se enfrentaba a El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey-, pero su éxito, tanto en los cines como en el vídeo doméstico (parece ser que es la película más vendida de todos los tiempos), anunció una nueva era de superproducciones de animación. Y no podría haber sucedido a una película más merecedora, la más cálida y universal de todos los éxitos de Pixar.
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Desafiamos a cualquiera a no derramar una lágrima al ver a Dumbo, el hijo de un elefante de circo con problemas, cerrando la trompa con su madre soltera encarcelada a través de los barrotes de una jaula. Tampoco ayuda el hecho de que la nana llorona de la banda sonora, "Baby Mine", esté preparada para hacer saltar las aguas. Esta era la cuarta película de animación de Disney, y su corta duración y su sencilla estructura fueron ideadas a la fuerza después de que Pinocho y Fantasía tuvieran malos resultados. La historia de un elefante que nace y se separa injustamente de su madre puede ser sencilla, pero hay algunas escenas memorables en el camino, como las de la carpa que se levanta durante una tormenta y el tren del circo que se desplaza sobre un paisaje escarpado.
También hay experimentación, sobre todo durante una secuencia de jazz, cuando Dumbo se emborracha accidentalmente y ve "elefantes rosas desfilando". También son inolvidables, aunque no necesariamente útiles para la sociedad, las primeras escenas de simpáticas cigüeñas dando a luz a bebés, un primer signo del mantra "nada de sexo, gracias, somos Disney". ¿Y quién puede olvidar las grandes orejas de Dumbo, tan difíciles de manejar que acaba envolviéndose en ellas en una brillante pieza de slapstick animado?
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Durante un tiempo, parecía muy sencillo: Pixar estaba en una racha tan espectacular que incluso algo tan tremendamente inventivo y de una belleza deslumbrante como Monstruos, S.A. podía considerarse un eslabón más de la cadena. Solo ahora, tras una serie de decepciones (incluida la olvidable precuela de 2013, Monstruos University), nos damos cuenta de lo bien que lo teníamos. Quizá más que cualquier otra película de Pixar, Monstruos S.A. hace estragos en las posibilidades de la animación, remontándose a la época dorada de los Looney Tunes por sus salvajes secuencias de acción que saltan de dimensión y su riqueza de gags de fondo, atiborrando la pantalla de color, vida e ingenio.
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Es el breve capítulo inicial de Up lo que todo el mundo recuerda mejor, y con razón: incluso Pixar y el director Pete Docter volvieron a su modelo para su posterior película Inside Out. En esos pocos minutos recorremos la vida de Carl, ya anciano, un viudo que una vez soñó con ser explorador antes de que el trabajo y la familia, el amor y la tragedia, se impusieran. Pocas veces la animación popular ha mostrado una sensibilidad tan aguda.
A partir de ahí, volvemos a la actualidad cuando Carl decide responder a las autoridades que intentan expulsarle de su propiedad atando mil globos a su casa y saliendo a flote, con su casa, para encontrar las cascadas de Sudamérica que él y su mujer siempre habían soñado visitar. El resto de la película es ingeniosa, rápida y visualmente extravagante, aunque no llegue a las alturas imaginativas de lo mejor de Pixar (no vamos a hacer spoiler).
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Los Banks necesitan, sin duda, un calmante. Cuando su mágica y dulce niñera, Mary Poppins, llega, los niños esperan que algo de su positividad sea contagiosa. Esta película tuvo una gran influencia al combinar el encanto musical de la vieja escuela con la animación, convirtiéndola en un clásico atemporal. La secuela, protagonizada por Emily Blunt 54 años después, tampoco estaba mal.
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Estaba previsto que fuera un proyecto directo a DVD, una forma de que Disney sacara unos cuantos dólares más de un éxito inesperado. Pero entonces se involucró el jefe de Pixar, John Lasseter, y Toy Story 2 se transformó en el Santo Grial para todos los buscadores de la franquicia, una secuela que enriquece -y algunos dirían que mejora- la original. Mientras que la primera película abordaba ideas infantiles como la amistad y la confianza, esta vez los temas son mucho más adultos: se trata de la autoestima, expresada de forma hermosa y sencilla a través del concepto de "coleccionabilidad" y lo que esa palabra significa tanto para el propietario como para sus posesiones. El hecho de que Toy Story 2 esté repleta de personajes memorables, ocurrencias, parodias de los frikis (todo el rollo de "Buzz Lightyear, soy tu padre" es divertidísimo) y secuencias de acción trepidantes engrandece el filme.
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Es la primera película de Pixar que obtuvo la calificación de PG. El guionista y director Brad Bird tenía un grado de control sin precedentes desde los tiempos del viejo Walt. Todo dependía de su visión, largamente gestada, de una familia excepcional que redescubre su propósito. El espíritu de la trama resultó contagioso, y las críticas, exultantes. Si la grandeza está dentro de nosotros, ¿por qué no podemos dejarla salir? Tal vez sea porque se nos dice -de forma sutil- que no debemos brillar demasiado y hacer que los demás se sientan inadecuados. Los Increíbles nos hace creer en los héroes, pero lo que es más importante, reivindica la virtud del heroísmo en sí mismo: una bendición, un ideal, una ambición. Y no es fácil.
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¿Ha habido alguna vez una película de Disney con una banda sonora más memorable y duradera? Tal vez dentro de 40 años sigamos tarareando "Let It Go" de Frozen, pero hasta entonces, temas como "Quiero ser como tú" reinan en el mundo. Ayuda el hecho de que esas canciones tengan un hogar tan groovy, como si el equipo de Disney se hubiera trasladado a Haight-Ashbury para inspirarse en este giro suelto y hippie de los cuentos de Rudyard Kipling ambientados en la India. El Libro de la Selva tiene un sabor claramente sesentero, desde los buitres con cabeza de fregona y acento británico hasta los ojos desorbitados de una serpiente. Y los personajes, por supuesto, siguen siendo algunos de los más queridos de Disney, encabezados por Baloo (el Bill Murray de los osos). El propio Walt falleció durante el rodaje de esta película; a su enorme éxito de taquilla se le atribuye el mérito de haber rescatado a la división de animación del estudio de un posible cierre.
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Todo gira en torno a Robin Williams como el Genio en esta superproducción de Disney sobre esa especie de mago y sus tres deseos. Al ver si tus pequeños se quedan desconcertados con las parodias de William F. Buckley Jr. Aladdin parece más anticuada que nunca. Pero el tiempo la ha convertido en un clásico y no podemos negar sus innovaciones. Fue la primera película de Disney que utilizó la animación por ordenador de forma extendida (con resultados dispares); hoy en día, Pixar ha perfeccionado esa técnica. Y el personaje de Williams, constantemente rifeado, se ha convertido en un testimonio del espíritu bullicioso del hombre, que doblegó a toda una industria a su manía.
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Nada menos que el primer disparo de lo que se convertiría en una revolución, el sencillo cuento de John Lasseter convirtió a los adultos en niños felices, a los detractores en creyentes y a la animación por ordenador en la expresión dominante de toda una industria. El primer largometraje de Pixar es su obra más hermosa, y subrayamos lo de "obra": la genial idea fue abrazar el material de los juguetes, imbuir el plástico y la tela de solidez y tacto. De repente, los miles de millones de bits y bytes tenían un peso real, y el público quedó cautivado.
Naturalmente, nada de esto habría funcionado si no hubiera existido un guion excelente, trabajado durante años por un equipo creativo que incluía a Lasseter y a los futuros directores Pete Docter, Andrew Stanton y Joss Whedon de Los Vengadores. No se puede subestimar la humanidad de Tom Hanks en el papel de Woody: se trataba de un papel lo suficientemente rico como para atraer al actor.
Toy Story habla de nuestro amor por el juego, y de la forma en que dotamos a nuestros muñecos y figuras de acción de las almas en las que queremos convertirnos. Tiene sentido que estos juguetes sigan soñando incluso cuando se guardan por la noche. Pero el impacto duradero de la película es más simple que eso: columpiándose, rebotando o derrapando, los juguetes están vivos en nuestras mentes.
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Durante un tiempo, se debatió cuál de las tres películas principales del "Renacimiento" de Disney era la más importante. Pero en términos de huella cultural (nunca mejor dicho lo de huella), El Rey León ha dejado la mayor marca. No es de extrañar: la historia es directamente Shakespeare; la animación es impresionante; el joven Simba es adorable; y las canciones, de Elton John y Tim Rice, son innegables. Sabes que todavía te emocionas cuando muere Mufasa, animas a Simba para que vuelva a reclamar su trono y no puedes sacarte de la cabeza el "Hakuna Matata", por mucho que intentes expulsarlo, y ningún remake innecesario de "acción real" puede diluir su impacto.
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Parece un reto: aquí está Pixar, conocido traficante de manipulación emocional, creando todo un universo de sentimientos antropomórficos dentro de la mente de un niño en la cúspide de la adolescencia. Sin embargo, lo que lleva a Inside Out a la categoría de obra maestra es la forma en que sus creadores elaboran su fantástico viaje al interior de la mente, permitiendo que emociones sensibles como la alegría y la tristeza fluyan. Los niños encontrarán lecciones sobre la gestión emocional y la importancia de la tristeza. Los padres encontrarán consuelo en la universalidad de los cambios emocionales de los niños. Y cualquier persona con pulso se sentirá cautivada por todo el espectro de emociones que cobran vida.
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Tuvieron que pasar 11 años para que Pixar hiciera una tercera visita a la sala de juegos. Llegar hasta allí fue un camino lleno de baches. El desarrollo de esa nueva película de Toy Story se vio envuelto en los entresijos del acuerdo de producción del estudio de animación con Disney, y en un momento dado la Casa del Ratón planeó realizar la segunda secuela sin la participación de Pixar. Todo cambió cuando Disney compró el estudio en 2006, y Pixar se hizo cargo de Disney Animation. Gran parte del equipo original -incluidos John Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich, este último que ahora dirigiría Toy Story 3 en solitario- volvió a la mesa de dibujo e ideó una narrativa que veía a Andy, el dueño de los juguetes, a punto de ir a la universidad y a los juguetes escapando del terrible destino del ático y dirigiéndose en su lugar a una guardería, que resulta no ser el paraíso que esperaban. La mezcla de energía y emoción fue tan ganadora como siempre y además supuso un guiño excepcional para los niños que crecieron con Toy Story, casi al tiempo que el propio Andy.
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Ignacio Herruzo Martínez
Ignacio es experto en cultura, pero desde hace más de 10 años se ha especializado en cine y series, tanto las que se estrenan en la gran pantalla como en las plataformas de streaming.
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