Las 100 mejores películas de animación de la historia

Cualquier director que haya escrito 15 libros sobre folclore se toma en serio sus antiguas leyendas, y en la fábula completa del maestro magiar Marcell Jankovics, tres príncipes ignoran la advertencia del rey sobre "la cerradura que no debe abrirse". El infierno se desata (literalmente), y una diosa yegua blanca engendra tres hijos humanos, que posteriormente llevan la lucha al inframundo. Esta saga arquetípica, que implica una prueba de resistencia desalentadora, se desarrolla en un estilo visual que sugiere las coloridas curvas de Kandinsky, los recortes de Matisse y demasiadas portadas de discos de prog-rock.

No se parece a nada en el mundo, lo que hace que sea una película que hay que ver, aunque la brutalidad con la que Treeshaker, Stonecrumbler y Ironrubber atraviesan el pozo del infierno y regresan puede hacer que sea demasiado pesada para los espectadores más jóvenes y sensibles.

El thriller sexual existencial de Satoshi Kon sólo ha atraído a los fans más acérrimos del anime, pero merece un público más amplio, aunque sólo sea para mostrar una ambición filosófica raramente vista en la animación. Las reflexiones sobre la naturaleza de la realidad frente a la ilusión subyacen en la danza de la muerte entre una estrella del pop y un superfan desquiciado. Los críticos calificaron 'Perfect Blue' de excusa pretenciosa para entregarse a la vieja ultraviolencia animada, pero su atractivo psicosexual ha resultado más duradero de lo previsto. Se siente como un primo japonés de 'Cisne Negro'.

Disponible en Movistar Plus+.

Involucra a una joven que intenta llevar la paz a su sociedad postapocalíptica y detener la expansión de los terrenos baldíos contaminados. Incluso después de que el director Hayao Miyazaki
creciera en la ambición de obras maestras como 'Spirited Away' y 'Mi vecino Totoro', sigue habiendo algo esencial en esta película, que contiene todos los elementos miyazakianos conocidos, siempre recomendables. En el centro, una heroína reflexiva se enfrenta a las fuerzas belicistas con compasión.

Disponible en Netflix.

El esfuerzo más logrado hasta la fecha del renombrado animador checo Svankmajer -más conocido por sus cortometrajes brillantemente surrealistas-, explora el lado oscuro de la paternidad con una inquietante lógica onírica sólo igualada por la espeluznante 'Eraserhead' de David Lynch. Rodada en su mayor parte en acción real con una precisión asombrosa, funciona tanto como una evocación fantástica de la pseudociesis (en la que las mujeres infértiles desarrollan síntomas psicosomáticos de embarazo, incluyendo un abdomen hinchado) como una metáfora hilarantemente escalofriante del apetito voraz, tanto físico como psíquico, de un niño recién nacido. En este caso, ese niño es un tronco de árbol. Para los amantes de la ficción conceptual que no tengan miedo al enfoque surrealista es una película perfecta.

La novela de Kenji Miyazawa de 1927 es un texto estándar para los escolares japoneses, pero sigue siendo prácticamente desconocida en otros países. Combinando un inquietante misticismo cristiano, una pseudociencia asombrada y un realismo desolador, el libro sigue a dos colegiales desairados, Giovanni y Campanella, que se suben al tren hacia las estrellas. Los directores de anime Gisaburo Sugii y Arlen Tarlofsky introdujeron un cambio importante al adaptar la obra de Miyazawa a la pantalla: sustituyeron todos los personajes humanos centrales por simpáticos gatitos antropomorfizados.

Pero si su intención era hacer la historia más atractiva para los jóvenes, estaban muy equivocados. Con su ritmo meditativo, su trama desestructurada y sus discursos incoherentes, a menudo incomprensibles, sobre la moralidad y la mortalidad, es tan fácil para los niños como una mañana en la iglesia. Sin embargo, para los que tienen paciencia (y una cierta edad), es un viaje hermoso y a menudo esclarecedor.

Disponible en Crunchyroll.

Mezcla multicultural de folclore africano y sensibilidad artística europea, esta pequeña joya animada sigue a un bebé mítico que "ha salido por voluntad propia del vientre de su madre" para luchar contra una bruja malvada. Y lo que es más impresionante, la historia puede ser leída por los adultos como una metáfora política de las luchas africanas modernas, mientras que los niños se emocionan con las hazañas de un desafiante héroe de pequeño tamaño con una mirada malvada. Y, sinceramente, la hechicera también mola mucho.

Tuvo una continuación en 'Kirikou y las bestias salvajes' que puede verse en MUBI.

Después de ser seducido por un marinero francés, el Sr. Christie, padre de familia de clase media-alta y estrella de la televisión, se vuelve loco y decide cavar un agujero para ir a Australia en el jardín. Al emerger por error en el metro de Tokio, el Sr. Christie asesina sin querer a Dios y es exiliado a la tierra de los muertos, donde conoce a Adolf Hitler, Jesús y Drácula. Solo por esta loquísima combinación de encuentros esta película es interesante.

Desgraciadamente, justo cuando empieza a controlar las cosas, el párroco local decide violar a la señora Christie, lo que lleva a la destrucción del universo. 'Goodbye Mr. Christie', que forma parte de la serie Christie del artista y animador Phil Mulloy (que hasta ahora ha constado de 12 cortometrajes y dos largometrajes, con otro en preparación), utiliza una animación ultraminimalista, voces inexpresivas moduladas por ordenador y un ingenio seco y mordaz para crear algo que es a la vez esclarecedor, agravante, extrañamente conmovedor y extremadamente divertido.

Stéphane Aubier y Vincent Patar saltaron a la fama con la deliciosamente absurda y acertada 'A Town Called Panic' ('Un pueblo llamado pánico'), con la que esta película, más convencional, parece un poco Disney en comparación, si Disney hiciera alegatos políticos extravagantes con osos bohemios y ratones recolectores de dientes en los márgenes de la sociedad, todo ello representado en delicados tonos de acuarela. Esta adorable rareza, nominada al Oscar en 2014, fue un éxito en Francia, pero aún no ha encontrado el público internacional que merece.

Disponible en acontra+ y MUBI.

Esta aventura de Netflix, que es a la vez una comedia clásica de viaje por carretera, es quizás la primera película que entiende realmente la vida digital de la generación Z. Con comediantes como Abbi Jacobson, Maya Rudolph y Danny McBride al frente de un reparto de lujo, Mitchells consigue una proporción tremendamente alta de risas en sus diálogos y gags sin parar. Pero incluso si se despojara a la película de su narrativa de tecno-thriller sobre un apocalipsis de máquinas que esclaviza a la humanidad, seguiría funcionando maravillosamente como comedia de conflicto intergeneracional. El hecho de que la narrativa de ciencia ficción funcione tan bien para complementar su palpitante corazón humano eleva a Mitchells al mismo nivel de historia que lo mejor de Pixar.

La única razón por la que este resumen de los mejores cortometrajes de la Warner Bros. no está más arriba en esta lista es porque pocos conocen su existencia. Estrenada brevemente en 1979, la película comienza con Bugs Bunny en modo erudito, repasando la historia de las películas de persecución desde las primeras películas de cine hasta la actualidad. A continuación, se presenta una cabalgata de algunas de las parodias y sketches más ingeniosos, inteligentes, subversivos y alucinantes jamás vistos en el cine. Los mejores momentos ya forman parte de nuestra cultura.

Los logros de los hermanos Fleischer (el director Dave y el productor Max) han sido eclipsados durante mucho tiempo por Walt Disney, a pesar de que inventaron muchas técnicas clave de animación, introdujeron el sonido en el medio y encontraron un amplio público para sus cortos de Betty Boop, Popeye y Superman. Sin embargo, la Blancanieves de Disney de 1937 cambió las reglas del juego, y los Fleischer respondieron con su propio largometraje de animación, que tomaba los elementos más familiares del cáustico original de Swift y ofrecía una historia optimista en la que el náufrago Gulliver interviene en el absurdo conflicto entre pequeñas naciones rivales por la música de una próxima boda real.

Los cantos de opereta no han quedado especialmente bien, y la comedia de humor carece de sutileza, pero el detalle con el que los Fleischer imaginan las micro instalaciones de Liliput sigue impresionando. Un valioso recordatorio de que Disney no lo hizo todo a su manera.

Los aficionados a la animación en stop-motion deberían buscar esta rara obra polaca sobre un astuto zorro que burla a todos los que le rodean (se puede ver completa en YouTube). En los últimos años ha sido mencionada nada menos que por Wes Anderson, que la calificó de influencia principal en su Fantastic Mr. Fox. Esto tiene sentido: A pesar de que nuestro héroe es un poco sinvergüenza a lo Clooney, acabas queriéndolo.

Fue el primer largometraje de Studio Ghibli, y uno de los pocos que se estrenó en los Estados Unidos. Las historias más profundas de Miyakaki están aún por llegar a esta lista, pero los combates aéreos de esta película siguen siendo maravillosos. Tiene un valor simbólico, ya que introduce a los occidentales en las glorias del anime dos años antes de que Akira abriera la puerta definitivamente.

Disponible en Netflix.

Walt Disney llevaba tiempo queriendo adaptar a Lewis Carroll, y cuando lo hizo, el resultado fue lo suficientemente fiel como para calificarlo como una de las ofertas más extrañas del estudio. Evocando las ilustraciones originales de los libros de John Tenniel, pero con más de un toque de dulzura de Disney, la película en su conjunto es esclava de la singular imaginación visual de Carroll y de su juego con el lenguaje. Pero no sabe cómo convertir la odisea episódica de la colegiala Alicia siguiendo al conejo blanco en algo parecido a una historia satisfactoria. Uno sólo puede imaginar lo que el público pensó de ella en su momento, asediado por orugas que aspiran a una hookah, hongos alucinógenos, la fiesta del té del Sombrerero Loco y una Reina de Corazones evidentemente psicótica.

Disponible en Disney+.

Pocas películas, animadas o no, se han adelantado más a su tiempo que Ghost in the Shell, de Mamoru Oshii, el icónico anime japonés que anticipó todo, desde Matrix y Avatar hasta la cultura de Internet. La película, un tecnotriller denso ambientado en el año 2029, presenta un mundo en el que los cuerpos cibernéticos son habituales y los hackers son capaces de controlar a distancia a las personas que se encuentran en ellos. Siguiendo a un equipo de asalto, la película comienza como un filme de acción, pero pronto se convierte en una mirada profética a la fluidez de la identidad en el mundo moderno.

El punto álgido de Laika -y el punto álgido de la capacidad narrativa del stop-motion- es una aventura desgarradora impregnada de tradición japonesa. Kubo hace realidad la técnica de animación táctil y onírica en todo su esplendor, ofreciendo un viaje del héroe a través de la mitología oriental que se desarrolla como una historia de acción de primer nivel, poblada de esqueletos gigantescos, apariciones fantasmales y espadas de infarto. Es difícil ignorar el blanqueamiento en la pantalla -el reparto de Matthew McConaughey, Charlize Theron y Ralph Fiennes queda muy bien en un póster, pero no tanto cuando te das cuenta de que están interpretando a personajes japoneses- pero es igualmente difícil negar la maestría en la pantalla mientras el héroe salta de una prueba llamativa a la siguiente.

Puede que Disney tenga mala fama por convertir los mejores cuentos populares del mundo en parábolas moralistas de carácter americano, pero hay ocasiones en las que realmente funciona. Robin Hood es un buen ejemplo: La decisión del director de El libro de la selva, Wolfgang Reitherman, de trasplantar los tropos de las películas del Oeste a la vieja Inglaterra debería haber conducido al desastre, pero la película resultante es tan dulce, tan desenfadada y tan simpática que resulta imposible resistirse a ella. El minúsculo presupuesto ha hecho que secuencias y personajes enteros hayan sido tomados al por mayor de éxitos anteriores de Disney, pero de alguna manera esto sólo contribuye al encanto sin pretensiones de la película.

Disponible en Disney+.

Nada menos que Hayao Miyazaki ha afirmado que esta adaptación francesa de un cuento de Hans Christian Andersen ha sido una gran influencia para una generación de animadores. Confiamos en el gusto y el juicio de Miyazaki; usted también debería hacerlo. Imagínese animales parlantes al estilo de Disney yuxtapuestos a una extraña ciencia ficción, a la arrogancia de la realeza y a la imaginería bávara, y podrá oler el porro que esta película le enciende.