Las 75 mejores películas de acción de la historia

"Una forma cinematográfica de abuso infantil" fue el veredicto de la revista People sobre la implacable secuela de Steven Spielberg, una acusación con la que incluso el director estuvo a punto de estar de acuerdo. "Era demasiado horrible", admitiría más tarde. Mirando atrás, algunos aspectos de la película siguen siendo impactantes: El ambiente es intensamente brutal en todo momento, el tratamiento de la heroína de Kate Capshaw es chabacano y cruel, y la descripción de la India es burda, desconsiderada y, en ocasiones, abiertamente racista. Pero como película de acción, es difícil de superar.

Una película para los amantes de la acción a los que les gusta un poco de cháchara con sus tiroteos, el thriller de espionaje de John Frankenheimer lleva claramente la marca de su guionista, David Mamet (que escribe bajo el seudónimo de Richard Weisz). Un grupo de ex-operativos se reúnen en un almacén francés en busca de trabajo; durante un tiempo, dejan caer la ciencia de esa manera tan confuciana que tanto gusta a los fans de Mamet. "Siempre que hay alguna duda, no hay duda", dice uno de ellos, sabiamente. "Eso es lo primero que te enseñan". ¿Y quién se lo enseñó? "No me acuerdo. Eso es lo segundo que te enseñan". Si Ronin fuera enteramente un tema de conversación en este modo, no tendría cabida en nuestra lista. La película es más recordada por un par de persecuciones en coche a gran velocidad, escenificadas con el máximo realismo por las calles y túneles de Niza y París.

Esta fue la primera película de Bond que se concentró seriamente en los aparatos y artilugios como parte clave del mobiliario de 007, aunque, en retrospectiva, sigue habiendo algo pintoresco en todo el asunto, sobre todo porque la secuencia previa a los créditos no incluye nada más tecnológico que un funeral y una pelea con un asesino travestido en un salón. Pronto, sin embargo, Bond se lanza fuera de los problemas con la ayuda de un jet pack y nos sumergimos en la primera de varias escenas submarinas, cuando SPECTRE esconde unos misiles nucleares robados en los mares de las Bahamas.

El estreno de la película siguió demostrando la valía de Bond en taquilla, aunque hubo quejas tanto por las largas escenas submarinas ("¡Mirad! ¡Podemos filmar bajo el agua! ¡Mirad!") como por la duración de más de dos horas, convirtiéndose esto último en una tradición que la mayoría de las películas de Bond mantienen hasta nuestros días.

A mediados de los 90, después de más de una década de hombres duros, musculosos, monosilábicos y armados con metralletas, el mundo estaba preparado para un nuevo tipo de estrella de acción: no un tipo normal, exactamente, pero al menos un tipo que pudiera caminar y mascar chicle al mismo tiempo. Nicolas Cage, cuya energía fuera de lo común le había convertido en el favorito de la escena indie, pero cuya verdadera ambición era convertirse en un actor serio.

Su personaje en La Roca no es precisamente un hombre salvaje; de hecho, Cage interpreta en gran medida al hombre recto del viejo criminal de Sean Connery, el único hombre que ha escapado de la infame prisión de Alcatraz. Pero fue un gran paso para Cage, sobre todo cuando la película arrasó en taquilla.

Después de Tigre y Dragón, era sólo cuestión de tiempo que un cineasta chino se propusiera superar el éxito en artes marciales del taiwanés Ang Lee. La sorpresa no fue tanto que Zhang Yimou aplicara su bravura visual a una película de seductora extravagancia, sino que lo hiciera al servicio de una saga de la dinastía Qin que funcionaba como un respaldo metafórico de la autoridad política centralizada. Los famosos Jet Li y Donnie Yen prometen acción a puñetazos, pero la refinada sensibilidad de Zhang ofrece en cambio una visión del combate influenciada por la danza, en la que todo son túnicas fluidas, franjas de colores primarios y despliegues coreográficos de amenaza.

Hero es absolutamente fascinante, aunque claramente es el producto de una extensa postproducción digital, y aunque la superposición de perspectivas de asesinos rivales que maniobran contra un monarca todopoderoso impide cualquier línea emocional genuina, la película ofrece sin duda un escaparate impresionante de la exquisita artesanía tradicional y los majestuosos paisajes de China.

La epopeya de David Lean tiene algo de estirado: Es una gran película de prestigio que ganó muchos Oscar. Pero no se puede negar que, cuando el puente explota, asistimos a una de las mejores escenas de acción del cine. No hay una distinción clara entre heroísmo y villanía; Lean utiliza el enorme lienzo CinemaScope para mantenernos alejados emocionalmente de los personajes, de modo que parezcan piezas de un tablero de ajedrez moviéndose hacia un punto fijo y destructivo.

A mediados de los 90, abundaban los rumores sobre una adaptación a la gran pantalla de El caballero oscuro, de Alan Moore, protagonizada por Clint Eastwood en el papel del cruzado de Gotham. Pero la verdad es que Clint ya había dicho todo lo que tenía que decir sobre el atractivo fascista de los justicieros que luchan contra el crimen con éste, posiblemente su papel más icónico en la pantalla. La principal diferencia es que, en lugar de un playboy millonario acechando en su mansión, Harry Callahan era un obrero hasta la médula: vivía en un piso sin ascensor de dos habitaciones y se alimentaba exclusivamente de whisky, cigarrillos y jazz bebop.

El evocador biopic en blanco y negro de Martin Scorsese sobre el boxeador Jake LaMotta (Robert De Niro) es una película intensamente física, que traza con grandiosidad operística la vida de su protagonista, desde volátil aspirante a peso medio hasta obeso fracasado. Los golpes caen con fuerza dentro y fuera del ring: los enfrentamientos de LaMotta con su sufrida esposa (Cathy Moriarty) y su leal hermano (Joe Pesci) a menudo parecen más sangrientos que cualquiera de los asombrosos y viscerales combates.

También es una película profundamente espiritual, en gran parte debido al compromiso de De Niro con el papel. Su muy publicitado régimen -entrenar con el propio LaMotta para ponerse en perfectas condiciones para la lucha, y luego engordar para las escenas finales con un atracón de comida de cuatro meses- es lo máximo en sacrificio actoral.

La primera y la tercera entrega del lucrativo reinicio de Batman de Christopher Nolan son, como gran parte de la obra del director, excesivamente portentosas, exigiendo que el público se trague el concepto de un aristócrata con delineador de ojos que lucha contra el crimen con voz de porno crecido. Sin embargo, en medio de todo ello se encuentra este thriller conspirativo casi impecable, que presenta al mejor villano de la pantalla desde que Darth Vader exhaló su último aliento.

El anuncio del casting de Heath Ledger como el Joker fue motivo de gran controversia y debate, pero los resultados hablan por sí solos: Se trata de un huracán de interpretación, tan desconcertante como hermoso de ver: la aparición de un talento descomunal. En lugar de dejarse encorsetar por el estilo de dirección de reloj suizo de Nolan, Ledger lo subvierte a cada paso, arremetiendo contra la prisión de la precisión de las películas de acción del mismo modo que su desquiciado personaje golpea los muros de la conformidad moral. El resultado es algo muy poco frecuente en la era de las superproducciones: auténtica imprevisibilidad.

No todos los rincones de Londres estaban de moda en 1967. En los estudios suburbanos de Borehamwood y sus alrededores, una banda de rudos matones de Hollywood se dedicaba a crear una película que se oponía directamente al sueño hippie y a casi todo lo demás. Brutal, sanguinaria y beligerante (con una brújula moral deformada), es una de las películas más desagradables jamás estrenadas por un gran estudio. También es, por supuesto, un bombazo absoluto, ya que Lee Marvin recluta a 12 presos condenados a muerte para una misión suicida en la Segunda Guerra Mundial detrás de las líneas enemigas. La mayor parte de la película se pasa frunciendo el ceño, gritando y trepando por las cuerdas en el patio de entrenamiento, pero cuando llega el gran final, es todo lo que uno esperaba que fuera.

Es fácil olvidar lo radical que es la mejor comedia de acción de Hitchcock, dadas todas las cosas que la hacen tan profundamente 1959: Cary Grant, ese impecable traje gris, una Guerra Fría furiosa, el viejo escenario del hombre equivocado. Por otra parte, esta es también la película con una Eva Marie Saint descaradamente sexual (y ese tren que se precipita en el túnel), así como una partitura de Bernard Herrmann que parece el comienzo de todas las ominosas explosiones de Hans Zimmer.

Pertenece a cualquier lista seria de películas de acción imprescindibles.

En este melodrama de acción atronadoramente exagerado -adaptado de un guion original de Akira Kurosawa-, un convicto psicótico interpretado por Jon Voight escapa de una prisión de Alaska acompañado por el violador Eric Roberts. La pareja viaja de polizón en el último tren de mercancías que regresa a la civilización, pero se dan cuenta de que están en graves apuros cuando el conductor se desploma de un ataque al corazón. Es posible que el director ruso Andrei Konchalovsky sea el único que ha trabajado con Andrei Tarkovsky (coescribió Andrei Rublev) y Sylvester Stallone (dirigió la infravalorada Tango & Cash), y aquí aporta ambas sensibilidades: no es sólo una película de persecuciones a gran velocidad, sino también una meditación de falso Shakespeare sobre los instintos animales del hombre.

Combinación de surrealismo y violencia despiadada, este reinicio japonés de 2003 de la clásica serie de samuráis resulta incómodo de ver. La película gira en torno a Zatoichi, un "masajista ciego" que se encarga él solo de proteger a un pueblo de una codiciosa banda que aterroriza a los lugareños con extorsionadoras tasas de protección. Hasta aquí, Robin Hood: Príncipe de los ladrones, pero la oscuridad empieza a deslizarse con historias de prostitución infantil, asesinatos políticos y asesinatos sangrientos.

Zatoichi se abre paso a trompicones por la ciudad, rebanando a cualquier malhechor con un movimiento de su katana oculta, antes de acabar dejando un montón de yakuzas desmembrados sangrando en el suelo en un combate final brillantemente elegante. Un añadido inconmensurable: Todo está impregnado de humor surrealista, y la película termina con una gran escena coreografiada de claqué.

En comparación con la mayoría de las superproducciones modernas, en las que la historia se detiene cada 15 minutos para dar paso a una nueva y espectacular escena, en la primera película de La guerra de las galaxias hay muy poca acción: una larga persecución por los pasillos de la Estrella de la Muerte, un combate superficial a espada entre dos caballeros y un par de peleas en el espacio, y eso es todo. Sin duda, al público de los años 70, criado con películas tan chirriantes como El planeta de los simios y Star Trek, todo eso podía parecerle demasiado, pero ¿por qué los amantes del cine moderno vuelven con tanta regularidad y entusiasmo a esta película en particular?

La respuesta está en la mítica forma de contar historias de George Lucas y en el ímpetu narrativo que consigue mantener en todo momento. Desde la primera ráfaga de rayos láser hasta el clímax, la Guerra de las Galaxias no deja de subir el listón dramático, dando la impresión de que hay acción incluso cuando los personajes están sentados charlando sobre los tubos de escape.

Considerado el mejor actor de la aristocracia de los héroes de acción, Jet Li demuestra que tiene madera para interpretar a un chico de la calle maltratado desde su nacimiento para convertirse en un perro de presa humano "desatado" contra los enemigos de su jefe mafioso, Bob Hoskins. La historia de un hombre-perro que huye para vivir con un amable afinador de pianos (interpretado nada menos que por Morgan Freeman) y su atractiva hija baila justo en el filo de la navaja de lo risible, pero la feroz interpretación de Hoskins y el sorprendente encanto de Li la mantienen a nivel.

Lo mismo ocurre con el brutal diseño de acción de Yuen Woo-ping (Matrix), repleto de cabezazos y salvajes golpes en baños estrechos. Todo podría ser una metáfora de la carrera de Li. Al fin y al cabo, Unleashed trata de un joven artista marcial que quiere huir de sus maestros para dejar de pegar a la gente y dedicarse simplemente a entretenerla.

En la segunda película de Bond, Sean Connery regresa como 007, ahora inmerso en una trama del gato y el ratón cuando tiene que viajar a Venecia y Estambul para intentar recuperar un dispositivo para descifrar códigos. Robert Shaw y Lotte Lenya son villanos memorables de SPECTRE, pero esta primera secuela destaca ahora por sus cualidades de Hitchcock-Le Carré: una trama de acción lenta centrada en un viaje en tren por Europa. Dicho esto, también introduce elementos que se han repetido desde entonces: la característica secuencia de acción antes de los títulos y una afición por las lanchas rápidas y los helicópteros. En cierto modo, es a la vez pausada y brutal.

Recoge el Dodge Challenger blanco en Denver el viernes a las 23:30, con entrega prevista en San Francisco el lunes a las 15:00. ¿Imposible? La pregunta no es válida cuando la odisea de nuestro antihéroe es menos un desafío de resistencia que una metáfora existencial del sombrío estado de la América posterior a los años sesenta. Por supuesto, hay algo inefablemente observable en estos grandes y viejos coches de gasolina que se deslizan por el asfalto mientras el Kowalski de Newman supera a la policía en tres estados, aunque al director Sarafian le interesan realmente las amplias tomas en las que el coche es sólo una mancha en un paisaje enorme.

El maestro italiano Sergio Leone inventó un delicioso tipo de juego previo cinematográfico: sus escenas de acción estallan en violencia, pero se recuerdan más vívidamente los momentos previos: sudor acumulado en cejas anudadas, dedos que se acercan sigilosamente a los gatillos y, lo más icónico, dos grandes ojos que llenan la pantalla. En el horizonte se vislumbraban spaghetti westerns de mayor envergadura (incluido el poético Érase una vez en el Oeste, del propio Leone, pero podría decirse que ninguno fue tan crítico como éste), que aumentaban la brutalidad y hacían que el género se sintiera como un comentario subversivo sobre una América cada vez más belicosa.

Sus estrellas procedían de Hollywood, pero una vez que llegaron a Roma -y, poco después, a los desiertos españoles que pasaban por el Viejo Oeste- se encontraban en un país de la imaginación suprema de un cineasta. Gran parte de la gramática de acción moderna procede de Leone y de su genial compositor Ennio Morricone, que transformó las guitarras doom en el sonido natural de la frontera.

Años antes de los Juegos Olímpicos de 1992, Jackie Chan triunfó en Barcelona con esta comedia de acción dirigida al público internacional. Irónicamente, no les interesó tanto, ya que el humor de esta aventura -en la que Chan y Yuen, compañeros en un camión de comida, se enredan con una misteriosa heredera desaparecida- sigue siendo muy propio del mercado de Hong Kong. Aunque el montaje no es precisamente fluido, el resultado sigue teniendo mucho encanto, con la pareja feliz y despreocupada en su mejor momento, y el cociente habitual de caídas graciosas. Tarda demasiado en alcanzar la velocidad de vértigo, pero cuando Chan y Yuen se enfrentan a un equipo de secuaces en el castillo del villano, la película despega de verdad, especialmente cuando Chan se enfrenta al campeón mundial invicto de kárate Benny "The Jet" Urquidez en un encuentro cuya velocidad de movimiento resulta increíble.

Cada vez que los críticos intentan minimizar a Stanley Kubrick como un creador frío y monolítico, siempre se quedan colgados con Espartaco. Aquí tenemos una película que no muestra casi ninguno de los rasgos habituales de ese maestro del cine: Es lujuriosa y plena, extensa y sentimental, y lo más lejos posible del Kubrick clínico y claustrofóbico del cliché. El director no trabajó en el guion (escrito por Dalton Trumbo), de ahí toda la retórica socialista de burla a la autoridad que sustenta su relato mítico de la rebelión de los esclavos. Además, Kubrick cedió el control creativo al productor Kirk Douglas, algo que nunca volvería a hacer.

Uno de los placeres de Espartaco -especialmente en sus vastas y encendidas escenas de batalla- es sentir esa atracción entre la desordenada grandiosidad de una epopeya hollywoodiense a la vieja usanza y la precisión artística que Kubrick se esforzaba por aportar. Quizá debería haberse soltado así un poco más a menudo.

La última vez que vimos a John Rambo (Sylvester Stallone) en la mal concebida Rambo III (1988), se dirigía a la puesta de sol con los muyahidines. Veinte años después, los luchadores islámicos por la libertad no están muy de moda, así que de alguna manera se ha ido a Tailandia, donde tiene un cómodo trabajo como adiestrador de serpientes. Llegan unos misioneros en un viaje humanitario a Birmania, y Rambo -en contra de su buen juicio- acepta guiarlos a través de un país devastado por la guerra. ¿Qué te parece? Es la primera vez que Stallone dirige uno de sus propios guiones de Rambo, y la película está impregnada de su particular machismo monosilábico y caricaturesco, que es perversamente una virtud.

Si se piensa demasiado en lo que ocurre (todos los pacifistas se vuelven inevitablemente violentos; los villanos son asesinos en masa violadores de niños), se verá que se trata de una película histéricamente reaccionaria. Pero Stallone expone su argumento unilateral y pro-intervencionista con un fervor tan embriagador -especialmente en un final asombrosamente sangriento lleno de decapitaciones, malos acribillados a balazos que resulta imposible resistirse a la fantasía.

Una de las cuatro obras maestras de Sammo. Es 1976 y el Pentágono ofrece a Sammo y a otros 11 prisioneros chinos un trato: volver a Vietnam y destruir un alijo de armas que dejaron atrás y conseguir la libertad. Pero antes de que las botas toquen el suelo, la misión se va al garete: se cancela a mitad del descenso en paracaídas y un compañero

En esta impactante (y gloriosamente acartonada) epopeya histórica, el director Snyder hace un uso extraordinario de la tecnología para dar vida a la extensa novela gráfica de Frank Miller. Con unos efectos visuales asombrosamente detallados, un esquema de color rigurosamente controlado y una narración limpia y episódica, sigue siendo el ejemplo más puro hasta la fecha del cine como cómic.

Una fila de asesinos de gran talento interpretativo -incluidos Gerard Butler, Michael Fassbender y Dominic West- se alinean para apuñalar, lanzar y acuchillar a lo largo de una narración salpicada de sangre de la antigua batalla de las Termópilas. Mención especial merece Rodrigo Santoro, que ofrece una interpretación deliciosamente madura como el enjoyado, agujereado y ultra sádico villano Jerjes. La película inspiró una pésima parodia (Meet the Spartans) y una débil secuela (300: Rise of an Empire), pero sentó las bases para una nueva ola de brutales y sexys películas de espada y escándalo como Espartaco: Sangre y arena y Juego de tronos de la HBO.

Había nacido una franquicia de acción y no nos dimos cuenta. John Wick (Keanu Reeves) es un viudo reciente y asesino secreto cuyo último regalo de su esposa enferma de cáncer -un sabueso de orejas caídas- se apaga con un triste aullido durante un brutal allanamiento de morada por matones rusos. Wick se recupera en un tiempo récord, y entonces salen las pistolas, los rifles y las misteriosas monedas de oro, mientras el desventurado Alfie Allen de Juego de Tronos (siempre destinado a ser un objetivo escogido) se ve perseguido por una despiadada y legendaria máquina de matar a la que todos los demás personajes parecen lo suficientemente sabios como para temer.

John Wick es un maná de acción por sus secuencias de lucha armada, diseñadas con pulcritud y que realmente se pueden seguir. Los codirectores de la película, expertos veteranos en escenas de riesgo, han diseñado la película teniendo en cuenta el impacto, y hay una elegante parquedad que resulta emocionante.

Antes de la aparición de Luc Besson y su cabalgata de películas de disparos, los franceses no eran una nación famosa por su propensión a la acción cinematográfica. Parecían preferir las películas de intelectuales fumetas, policías desaliñados y bailarinas de striptease sin futuro, y no, por ejemplo, las de robots gigantes a los que les gusta destrozar cosas. Pero hubo un tiempo, hace mucho tiempo, en que las películas de suspense y las duras declaraciones filosóficas sobre la inhumanidad del hombre podían convivir cómodamente, una tendencia que alcanzó su punto álgido con la vertiginosa El salario del miedo, de Henri-Georges Clouzot.

La historia de cuatro perdedores desesperados obligados por la pobreza y la desesperación a aceptar un trabajo conduciendo camiones cargados de dinamita de nitroglicerina por las peores carreteras de la selva amazónica, es una experiencia implacablemente sudorosa, mugrienta y llena de terror. Pero también es uno de los retratos más duros y menos indulgentes del cine de hombres al límite, avanzando hacia una muerte segura y quejándose miserablemente cada centímetro del camino.

El director Doug Liman consideró a Russell Crowe y Sylvester Stallone para interpretar al agente de la CIA con un caso de amnesia. Ahora es imposible imaginar a otro actor que no sea Matt Damon en el papel. Al ver El Caso Bourne, la primera película de la serie, Damon parece conmovedoramente joven, aportando vulnerabilidad al casi sobrehumano Jason Bourne, al que unos pescadores sacan del mar con balas en la espalda y la memoria borrada. La exitosa franquicia de thrillers conspirativos ha reinventado el género, dando el pistoletazo de salida a una nueva generación de películas de acción.

No cabe duda de que se puede encontrar el rastro de Bourne en las películas 007 de Daniel Craig, pero, según Damon, hay un millón de kilómetros entre Bourne y Bond, a quien califica de "misógino e imperialista". Es todo lo que Bourne no es. Mata a gente y luego se bebe un martini".

La acción de Hollywood se une al arte europeo en la primera película americana de Luc Besson. Se trata de la historia de Pigmalión más retorcida de la historia del cine, en la que un asesino a sueldo solitario, Léon (Jean Reno), enseña a Mathilda (Natalie Portman), una niña callejera de 12 años, el arte de matar después de que un policía psicótico (Gary Oldman) acabe con su familia. La pareja encuentra la redención en el otro: Léon, un hombre que llama a la planta que tiene en el alféizar de la ventana su mejor amiga, aprende a amar; Mathilda encuentra seguridad y fuerza. La película divide al público: ¿Es su relación dulcemente conmovedora o, dada la edad de ella, problemática? ¿Es Oldman el villano más aterrador y desquiciado desde Jack Nicholson en El resplandor? ¿O sobreactuado? Se mire por donde se mire, Léon es hábil, elegante e imprevisible, con su dosis de explosivas escenas de acción.

Tsui Hark deconstruye el mundo de los héroes caballerescos, convirtiéndolo en un paisaje infernal donde la piedad es sólo otra palabra para "debilidad". Reimaginando la emblemática película de Chang Cheh de 1967, Los espadachines mancos, como una fantasmagoría psicotrónica llena de cicatrices y tatuajes, mutilaciones, amputaciones, frustraciones sexuales y pesados trozos de acero que parten músculos y rompen huesos, Tsui hace rodar su cámara superestilizada por la suciedad y convierte el fotograma congelado en una lápida. Sharp Manufacturers es una fábrica de espadas protegida de la violencia que se desata fuera de sus muros por el Maestro, que no tolera ninguna tontería. Pero su hija (Song Nei) está aburrida y decide jugar con la ayuda, manipulando a dos aprendices de fabricante de espadas en una competición por sus afectos, desatando un maremoto de sexo y sangre que los ahoga a todos. Para cuando el último cuerpo cae al suelo, el público ha sido golpeado hasta la sumisión.

En la década de 1990, el terrorismo islámico era una gran tontería. James Cameron podía presentar alegremente a una banda de aspirantes a bombarderos nucleares como bromistas idiotas, haciendo chapuzas en una misión suicida como los propios Keystone Kops de Alá. Ahora, por supuesto, no parece tan divertido. ¡Lo que sigue funcionando, sin embargo, es la idea central, basada en una comedia francesa poco vista de 1991 llamada La Totale! En parte James Bond, en parte Homer Simpson y en parte él mismo, Arnie interpreta a la perfección a Harry Tasker, un agente encubierto de la CIA que lleva una doble vida como padre de familia, al menos hasta que su esposa Jamie Lee Curtis se da cuenta.

Mentiras arriesgadas es uno de los proyectos más ligeros y menos apocalípticos de Cameron (dejando a un lado alguna que otra explosión atómica), una película de placeres sencillos y perfectamente ejecutados: tiroteos, persecuciones en helicóptero y picantes malentendidos.

Tiene un reparto de miles de personas, tramos de religiosidad, una pizca de lepra e incluso un cameo de Nuestro Señor Jesús, pero la carrera de cuadrigas sigue siendo la razón principal por la que esta ganadora del Oscar a la mejor película representa una variedad de cine épico predigital que nunca volveremos a ver. Antes de que Charlton Heston se enfrentara a su enemigo Stephen Boyd en el vasto Circo Máximo de esta película, construido en la Cinecittà de Roma, las secuencias de acción de Hollywood implicaban que la segunda unidad cubriera el trabajo de los especialistas y que el montador insertara imágenes de la estrella en retroproyección.

Ben-Hur cambió las reglas del juego para siempre, ya que Heston y Boyd se entrenaron durante meses para manejar las cuadrigas en primer plano, el equipo del as de la coordinación de especialistas Yakima Canutt se encargó de los derrames que desafiaban a la muerte, y el director William Wyler planificó sus ángulos de cámara panorámicos para que todo el montaje funcionara como una construcción dinámica. El realismo sigue siendo emocionante, y -incluida la repetición de La Amenaza Fantasma de George Lucas- simplemente no puede ser reproducido por la tecnología de píxeles de hoy en día.

En 2005, el cine de acción de Hong Kong estaba muerto. Entonces, Wilson Yip, director La momia, Donnie Yen, un segundón de 42 años, y Sammo Hung, que entonces cumplía condena en la cárcel del cine, salieron de la nada con esta elegante pateadora de traseros que disparó 50.000 voltios al corazón del género. El inspector Chan (Simon Yam) lleva años intentando detener al capo de las tríadas Po (Hung), pero ahora tiene un tumor cerebral. El inspector Ma (Yen) se hace cargo de sus casos. Pero Yip sirve estos clichés con crudeza, y Donnie Yen interpreta a un badassery intenso que es francamente religioso en su pura convicción, culminando en una pelea semi-improvisada en un callejón, seguida de una paliza con Sammo que sólo termina cuando se rompen todas las mesas del mundo.

Es mejor no buscar aquí un retrato históricamente exacto del eminente artista marcial de la vida real Ip Man, que más tarde fue mentor de Bruce Lee. Los hechos se sacrifican en aras de otra epopeya comercial de la resistencia nacional china contra los invasores japoneses. Lo que sí encontraremos, sin embargo, es un gran papel para un Donnie Yen a veces torpe, cuyo comportamiento recto y sus movimientos relámpago le hacen más convincente de lo habitual en su papel de burgués reservado adepto de la escuela wing chun, que descubre su verdadero papel de líder inspirador durante la hora más oscura de su comunidad.

Aunque los momentos culminantes de la acción son ingeniosos (sobre todo cuando Yen echa mano de diversos utensilios), el cuidadoso y matizado desarrollo del progreso del protagonista por parte del director Yip hace que esta película resulte sorprendentemente absorbente, incluso para los escépticos de las artes marciales.

Activo desde los años 40 hasta mediados de los 80, el guionista y director Richard Brooks ejemplificó los extraordinarios cambios que experimentó Hollywood durante esa época, y este western protagonizado por estrellas marca la transición entre el entretenimiento de la vieja escuela de Hollywood y el tono más oscuro de la era postestudio. La película parte de un escenario de hombres en una misión (los viejos soldados Marvin, Lancaster y Robert Ryan se dirigen al sur de la frontera para rescatar a Cardinale, víctima de un secuestro) y lo impregna de bromas protagonizadas por estrellas, momentos de acción intermitentes y muchas reflexiones sobre la naturaleza pasajera del idealismo de los profesionales curtidos.

Ésta es sin duda la mejor, más hábil y más atrevida entrega (incluso eclipsa a la original de Brian De Palma de 1996). Esto se debe en gran parte al guionista y director Christopher McQuarrie, que aporta un sentido de la continuidad del que carecía hasta ahora. No se permite que ninguna secuencia de acción decaiga, ni que se corte en pedazos en el montaje, ni que se apoye en la muleta del aumento de CG. Desde una frenética persecución parisina hasta una brutal pelea en un cuarto de baño, pasando por una escalofriante lucha en helicóptero al borde de una montaña, todo está fantásticamente ejecutado. Y la película presta la suficiente atención a la física como para hacerte sentir que todo podría estar ocurriendo realmente.

Por supuesto, Cruise está en el centro de la vorágine. De verdad. Si hay dobles, están ingeniosamente escondidos. Este tipo se compromete hasta límites insospechados y, en términos de entretenimiento de masas, Fallout está a la altura de sus mejores trabajos.

La Banda del Hacha domina Shanghai en 1930, sobre todo porque tiene los mejores pasos de baile. Sing (Stephen Chow) se muere por unirse a ellos, pero es un completo inútil. Cuando se hace pasar por miembro de la Banda del Hacha para atrapar a los habitantes de Pigsty Alley, se entera por las malas de que la mayoría de los ancianos de Pigsty son maestros ocultos de las artes marciales. La verdadera Banda del Hacha contrata entonces a asesinos de kung fu para redimir su buen nombre, y la película se convierte en un Looney Tunes de acción real.

Chow recurre a todos los efectos especiales para rendir homenaje al barroco cine de artes marciales de Hong Kong de mediados de siglo, desde los sicarios ciegos que luchan con música hasta la casera cuya ira es su arma, pasando por el asesino número uno con el peinado número uno.

¿Una película de Keanu Reeves como un ex jugador de fútbol americano universitario convertido en un excelente detective llamado Johnny Utah que va de incógnito a atrapar a una banda de ladrones de blancos surferos liderados por Patrick Swayze como un atractivo maestro zen conocido sólo como Bodhi? Claro, la premisa es divertidísima, pero ¿se supone que debemos tomarnos esta película en serio? Entonces, alrededor del vigésimo visionado, te das cuenta de que te siguen sudando las palmas de las manos durante el salto en paracaídas de Keanu y de que se te sigue desencajando la mandíbula durante la icónica persecución a pie, y ves Le llaman Bodhi como la película absolutamente libre de culpa, de disparos, de lanzamientos de pitbulls y vagamente homoerótica que es. No es que no sea absurda a más no poder en algunos momentos... o básicamente en todos los momentos. Pero eso es precisamente lo que la convierte en uno de los thrillers de acción más divertidos.

Ti Lung interpreta a un delincuente que acaba de salir de la cárcel, atrapado entre arreglar las cosas con su hermano pequeño, un policía (Leslie Cheung), y mantenerse alejado de su antiguo jefe (Waise Lee), que quiere que vuelva al juego. Cuando la presión llega a ser excesiva, las cosas estallan en acción a dos cañonazos con la ayuda de su viejo camarada de armas, Mark (Chow Yun Fat). Escrita a sangre y fuego, la imagen de Mark, con una pistola en cada mano y la gabardina batiendo como alas negras, se grabó a fuego en los cerebros de una generación de aficionados a la acción, y aún hoy sigue apareciendo en las películas.

En esta secuela frenéticamente entretenida -escrita por James Cameron-, el ex boina verde Rambo (Stallone) vuelve a Vietnam en paracaídas en una misión suicida de alto secreto por parte de funcionarios corruptos del gobierno ("Señor, ¿vamos a ganar esta vez?", pregunta nuestro héroe de antemano).

La mayoría de los críticos, alarmados por la fantástica política anticomunista de la película, la criticaron. También se llevó la friolera de cinco premios Razzie. Pero al público no le importó: Se convirtió en la primera película en exhibirse en más de 2.000 pantallas en Estados Unidos y en el tercer mayor éxito de taquilla de Sly hasta la fecha. Además, su mezcla de acción en pantalla panorámica y un número de cadáveres en constante aumento ayudó a establecer el modelo para una nueva clase de películas de acción.

La gigantesca sombra que proyecta esta película es un tributo al insuperable cine de su director, Park Chan-wook: Hasta los 40 minutos, el público no se acuerda de respirar. Oh Dae-Su (Choi Min-sik) es el típico padre terrible cuando, de repente, es encarcelado sin motivo en una habitación de hotel durante 15 años. Allí, se vuelve más que un poco loco, convirtiendo su cuerpo en un arma viviente. Cuando es liberado sin explicaciones, desata el infierno mientras busca a su misterioso torturador, haciendo una pausa en el camino para comerse un pulpo vivo (su primera comida en más de una década que no son albóndigas). Al igual que comer un pulpo, esta película es dolorosa y repugnante, pero también vital y viva, impulsada por tanta bravuconería cinematográfica.

Jackie Chan, Sammo Hung y Yuen Biao crecieron juntos en una dura escuela de ópera china, y habría que remontarse a los hermanos Marx para encontrar intérpretes con ese tipo de química. Jackie interpreta a un abogado de pacotilla que defiende a un canalla que ha contaminado el criadero de peces de una buena mujer. Bloqueado por la abogada contraria, contrata a un delincuente de poca monta ("Hermano Mayor" Sammo) y a un experto en vigilancia desquiciado ("Hermano Menor" Yuen) para que le ayuden a atrapar a los acusados, pero entonces todos se enamoran. Los tres amigos no pueden dejar de pelearse el tiempo suficiente para hacer su trabajo, pero las bromas terminan con una pelea final en un laboratorio de drogas que es, sencillamente, una de las mejores escenas de acción de todos los tiempos.

Si vio por primera vez Tigre y Dragón en el cine, recordará los gritos ahogados del público durante la primera gran secuencia de lucha, cuando Michelle Yeoh y Zhang Ziyi flotan desde el suelo como si la gravedad hubiera dejado de hacer su magia. De una belleza asombrosa, es una película de acción que gusta incluso a los que odian este tipo de cosas. La trama gira en torno a un guerrero, Li Mu Bai (Chow), que, a punto de retirarse, confía su espada a Yu Shu Lien (Yeoh); su amor tácito es el corazón y el alma de la película.

Zhang interpreta a la hija de un gobernador local que ha aprendido artes marciales en secreto. El director taiwanés Ang Lee ha declarado que quería rendir homenaje a las películas wuxia con las que creció. La película ganó el Oscar a la mejor película extranjera y consiguió la mayor recaudación en taquilla de la historia en Estados Unidos para una película no inglesa.

¿Es la película más cutre de nuestra lista? Tal vez. Pero, ¿es muy divertida? Por supuesto. Para ser justos, puede resultar difícil saber exactamente qué pretende Commando: A primera vista, se trata de un juego de disparos con una trama en la que un niño es secuestrado y un padre musculoso se vuelve loco, de la que Chuck Norris se burlaría. Pero, ¿es tan tonta como parece? Arnie, sin duda, se lo toma a risa. Si el momento en el que conduce un camión a través del escaparate de una armería para reabastecer su arsenal no es suficiente, la escena en la que se desnuda hasta los calzoncillos -en un grotesco primer plano- debería serlo.

El tiroteo final en los terrenos de una mansión también parece extrañamente fuera de lugar: Las balas y los cuerpos vuelan, pero casi todos los planos están llenos de imágenes de flores de colores brillantes y bellamente dispuestas. Sorprendentemente, el director Mark L. Lester sigue en activo, aunque su última película, Poseidon Rex, de 2013, tiene actualmente una puntuación de 2,5 en IMDB.

Errol Flynn roba a los ricos, da a los pobres y sigue siendo la mejor versión cinematográfica de esta leyenda duradera. Olivia de Havilland, Basil Rathbone y Claude Rains encabezan un reparto de lujo. Muy, muy divertida. El rico Technicolor de tres franjas de la película confiere al conjunto una calidad de libro ilustrado, aunque lo que estamos viendo aquí con Flynn en su apogeo es en realidad el precursor de James Bond, Indiana Jones y otros: la pura esencia del héroe de acción del celuloide.

En una época de espectáculos ingrávidos que los estudios reducen de visiones a productos, he aquí una película que parece hecha secuestrando 150 millones de dólares del dinero de Warner Bros, fugándose con ellos al desierto de Namibia y enviando el metraje de vuelta a Hollywood como las partes amputadas del cuerpo de un rehén rescatado. Combinando el frenesí mordaz del universo cinematográfico de Terry Gilliam con la grandeza explosiva de James Cameron, Miller prepara una de las escenas de acción más trepidantes jamás captadas por una cámara. Los efectos digitales, utilizados con moderación, quedan relegados a un segundo plano ante el incesante desfile de acrobacias. Sin embargo, con la Furiosa de Charlize Theron al volante, Fury Road dirige esta franquicia repleta de testosterona en una nueva y brillante dirección, forjando un retrato mítico sobre la urgente necesidad de un gobierno femenino en un mundo en el que los hombres necesitan ser salvados de sí mismos.

Gene Hackman encarna a Popeye, un detective sin pelos en la lengua que sigue la pista de unos grandes importadores de droga franceses ("Frog One" y "Frog Two", como los llama la policía) en la Nueva York de principios de los setenta. El director William Friedkin exprime al máximo las vistas y el chisporroteo amenazador de la metrópolis decadente, con una redada gritona y casi cómica en un bar de mala muerte de Brooklyn y abundantes tomas de calles mojadas, puentes amenazantes y trenes de metro abarrotados.

Es una clase magistral de rodaje en exteriores al estilo de los documentales. Sin embargo, el momento cumbre llega cuando Popeye utiliza un coche que pasa por allí para perseguir a un tren subterráneo.

Mucho antes de Jackie Chan, Tom Cruise o la franquicia Jackass, existía Buster Keaton, el actor que redefinió los límites de hasta dónde podía o debía llegar una estrella de cine para entretener personalmente al público. Apenas se había inventado la "magia del cine" cuando el tipo lo dejó todo y dijo: "A la mierda todo eso, voy a hacer esta mierda de verdad", y El General es quizás su mayor logro, tanto como película como hazaña de temeridad que la mayoría de los estudios no se atreverían a asegurar hoy en día.

Ambientada en la Guerra de Secesión, Keaton interpreta a un ingeniero ferroviario confederado cuya amada locomotora es robada por espías de la Unión con su amante a bordo. Se inicia lo que en realidad es una escena de persecución de película, llena de cañonazos de verdad, descarrilamientos de puentes y la ya mencionada escena del cazador de vacas, que sigue siendo una de las acrobacias más famosas de la historia del cine. Sin duda, es el largometraje más antiguo de esta lista, pero no es simplemente un hito histórico. Incluso un siglo después, deja boquiabiertos a todos.

Por una de esas extrañas casualidades del cine, dos películas con argumentos casi idénticos se estrenaron juntas a principios de la década de 2010: Dredd y este filme de acción indonesio del cineasta galés Gareth Evans. Y no es ninguna falta de respeto hacia la primera que sigamos hablando de Redada asesina una década después. El argumento, por supuesto, implica a un agente de la ley que lucha por alcanzar a un supermacho en lo alto de un bloque de pisos. Ese hombre es la carismática superestrella Iko Uwais, que realiza movimientos que ni siquiera sabíamos que el cuerpo humano era capaz de hacer al dar puñetazos, puñaladas, patadas y martillazos en su camino hacia los pisos de un proyecto de viviendas inusualmente peligroso. Es casi demasiado, salvo que Evans se acuerda de introducir momentos de (relativamente) ligero alivio y humanidad para ayudarnos a recuperar el aliento antes de que empiece la siguiente ronda de golpes. ¿La mejor película de acción de la década? Muy posiblemente.

Si lo que te hace vibrar es una persecución de coches por las colinas de San Francisco, esta película de los 60 es lo que necesitas. Steve McQueen no puede ser más guay -nos gusta su look de cuello alto con hombrera-. Las secuencias de acción son brillantes: nítidas y realizadas sin artificios en localizaciones reales, lo que confiere una extraordinaria sensación de inmediatez a los tejemanejes y tiroteos.

El thriller más demencialmente elegíaco que jamás haya visto, que destila el entusiasmo de toda una vida por el cine negro americano y francés, con poca chicha aparte de la banda sonora y el aspecto de los tres guapos protagonistas. Empezó como un homenaje a Martin Scorsese y Jean-Pierre Melville, pero el ilimitado arsenal de pistolas y lanzacohetes parece haberse interpuesto en el camino. Jeff (Chow Yun-Fat, el mejor actor de Hong Kong), un asesino a sueldo exquisitamente trajeado, daña accidentalmente la vista de Jennie, la cantante de un club nocturno, mientras mata a tiros a una docena de gángsters. Se hace amigo de la chica, casi ciega, y decide aceptar un último trabajo para financiar el injerto de córnea que necesita. Hay media docena de mega-masacres por el camino, además de extraordinarios espasmos de sentimentalismo, romance y búsqueda del alma.

¿Dónde estaría Mel Gibson sin Arma Letal, su gran éxito en Hollywood? Lo que sí sabemos es que el mundo se habría quedado sin uno de los mejores dúos de amigos de la historia del cine, por no hablar de varios de sus mejores chistes. La saga Arma Letal se descarriló bastante en entregas posteriores, pero la original sigue siendo una embriagadora explosión de nihilismo justiciero, que se deleita con escenas de consumo excesivo de drogas, ejecuciones y torturas (un tema que Mel retomaría con regularidad a lo largo de su carrera). Pero es en el equilibrio de estas escenas con la acogedora calidez suburbana de la vida familiar de Glover donde el guion (del entonces joven de 25 años Shane Black) encuentra su ritmo, y se convierte en algo más que otro beat-'em-up a todo gas.

La primera película de Jackie Chan que combinaba grandes acrobacias con acción a raudales, también cimentó su imagen en pantalla como el hombre corriente de Hong Kong por excelencia, un tipo de clase trabajadora que sólo quiere pasar el día y, tal vez, llevar a su novia a cenar. Que una banda de piratas no quiera que eso ocurra no es más que una complicación exasperante, como el tráfico en el centro de la ciudad. Ya se trate de una persecución en bicicleta por callejones, de columpiarse de una lámpara de araña o de casi romperse el cuello, el inagotable ingenio físico de Jackie frente a probabilidades abrumadoras es como una ducha refrescante para el alma.

No se sorprenda de que algunas secuelas ocupen un lugar destacado en nuestra lista. Pocos géneros son tan gratificantes como la acción cuando se trata de segundas partes que suben la apuesta, mejoran las acrobacias y aumentan las explosiones. Jackie Chan demostró ser el rey de las entregas posteriores cuando su carrera entró en su fase dorada en la década de 1990. Wong Fei Hung es una de las creaciones más simpáticas de Chan: el obediente hijo de un maestro que, sin embargo, avergüenza a su familia practicando el impredecible arte del "boxeo de borrachos", lleno de vertiginosas fintas y golpes inesperados.

Y resulta que emborracharse ayuda a quien lo practica; en varias escenas de La leyenda del luchador borracho, Chan rompe botellas desesperadamente y engulle su contenido para fortalecerse, incluso mientras sus contrincantes se abalanzan sobre él. El extenso clímax de la película, que escupe fuego, es el punto culminante del arte de Chan.

Tras reinventar la televisión en los ochenta con Corrupción en Miami, Michael Mann trasladó sus instintos estilísticos a la gran pantalla, pero no consiguió que todas las piezas funcionaran hasta esta película, una extraordinaria saga policíaca de Los Ángeles con una fría profundidad azul. Heat es el sueño de todo aficionado a la acción, siempre que ese sueño incluya espacio para el serio tema del compromiso profesional, la disfunción matrimonial y el abandono paterno.

Los protagonistas principales de la película -Vincent (Pacino), un teniente muy duro de pelar, y Neil (De Niro), un delincuente profesional cauteloso que busca ese proverbial último trabajo- tienen problemas de compromiso; su juego del gato y el ratón implica una tonelada de daños colaterales.

Hay numerosos aspirantes al título de Mejor Película de Kung Fu de la Historia, pero la que aparece constantemente es la epopeya revolucionaria de Liu Chia-liang. Los créditos iniciales son una deslumbrante obra de arte en sí mismos, mientras Gordon Liu realiza sus ejercicios de artes marciales en un estudio vacío e iluminado, con brazaletes de oro tintineando en sus muñecas. Luego empieza la historia: Liu interpreta a Liu Yude, un estudiante rebelde que se da cuenta de que la única forma de ayudar a su oprimido pueblo a luchar contra la opresión manchú es aprender las antiguas técnicas de Shaolin. Pero los monjes aborrecen la violencia, ¿ayudarán a este carismático renegado? Al igual que su héroe, logra un equilibrio casi perfecto entre la acción violenta y la perspicaz investigación moral, espiritual y filosófica. Las secuencias de entrenamiento son insuperables (¡agua, fuego, levantamiento de pesos pesados!), mientras que el enfrentamiento final es un triunfo que hace vibrar los puños.

El mejor western de Sergio Leone y un hito en el género, refuerza de algún modo los mitos del viejo oeste y los desmorona al mismo tiempo. Con la ayuda de Dario Argento y Bernardo Bertolucci, Leone elabora un polvoriento réquiem a una antigua forma de vida, bordado con los motivos musicales de Ennio Morricone y ejecutado con la extravagancia característica del director cuando las balas empiezan a volar.

La combinación de acción y filosofía no era nada nuevo, ni siquiera en 1999. La forma en que los Wachowski consiguieron fusionar el thriller ciberpunk con conceptos sacados de Descartes para principiantes sigue siendo fresca y vibrante 15 años después. Para ser justos, la idea central es más anticuada y bíblica de lo que pueda parecer: Puede que el héroe de Keanu Reeves cuestione su realidad a cada paso, pero también lo hacen todos los salvadores de la humanidad, desde Jesús hasta Batman. Lo que realmente hace volar a Matrix es la acción: Con su nueva técnica de "tiempo bala" (una serie de cientos de fotografías fijas tomadas en torno a un sujeto en movimiento), los Wachowski encontraron la forma de "mover" la cámara de forma convincente en un entorno totalmente CG, revolucionando las películas de acción, los vídeos musicales y los anuncios de televisión para la próxima década.

En su segundo largometraje en inglés, el holandés Paul Verhoeven nos lleva a un futuro no muy lejano en el que Detroit es una metrópolis asolada por el crimen y económicamente deprimida que necesita desesperadamente un héroe. El novato Alex Murphy (Peter Weller), que es literalmente despedazado en su primer día y resucitado por el conglomerado corporativo OCP como un cyborg metálico que sirve a la confianza pública, protege a los inocentes y hace cumplir la ley. (Pero algo humano sigue removiéndose en su interior. La película es a la vez una sátira mordaz de la cultura del consumo y un estudio de carácter emocional. Pero Verhoeven no escatima en acción memorable, con tiroteos en abundancia, una muerte por residuos tóxicos que te hará estremecerte de risa y un antagonista impresionante en el monstruo mecánico de gatillo fácil que es ED-209.

La película que dio a Stallone una carrera posterior a Rocky ha parecido a menudo un asunto infravalorado, eclipsado por los excesos caricaturescos de sus secuelas de Rambo, de mayor éxito comercial. Pero mientras que el protagonista, con su bandana y su M60, se convirtió con el tiempo en un emblema del halconismo reaganiano, su historia de origen está moldeada por una sensibilidad casi diametralmente opuesta: firmemente del lado de los soldados amargados y aislados por la sociedad tras el trauma del combate, y crítico con la cultura guerrera de Estados Unidos por su actitud imperdonablemente simplista hacia las armas de fuego.

Son los últimos días de la dinastía Qing y China se desmorona. El xenófobo Culto del Loto Blanco ha declarado la guerra santa a los extranjeros, mientras la emperatriz Qing intenta acorralar y ejecutar a los revolucionarios del Dr. Sun Yat-sen. Atrapado entre ellos se encuentra Wong Fei-hung (Jet Li), avatar de la virtud confuciana y maestro de las artes marciales. Wong Fei-hung, auténtico héroe popular chino, apareció en más de 70 películas entre 1949 y 1970, pero cobró nueva vida cuando el director Tsui Hark lo resucitó con Érase una vez en China (1991). Pero es la segunda parte la que los fans adoran, y es fácil ver por qué. Wong Fei-hung y su estricto código moral (y su impresionante kung fu) son los únicos que se oponen a la oleada de sangre desatada tanto por los extremistas religiosos como por los matones del gobierno.

La película más reciente de nuestro top 20 es un fenómeno duradero y, lo que es más importante, una influencia en otras películas contemporáneas. Ayuda contar con un actor como Matt Damon, que convierte la estoica creación literaria de Robert Ludlum en su papel característico, a partes iguales ferocidad y traición magullada. El guion resultó especialmente atrevido en su momento posterior al 11 de septiembre: Bourne vuelve a casa, a una sombría Nueva York, para enfrentarse a sus amos, que perpetúan un estado de miedo en una década que ya no lo necesitaba. Bourne es un amnésico que empieza a recordar su pasado.

En algún lugar entre los cartuchos voladores y las granadas de fusil que explotan hay una crítica a la política exterior estadounidense de los años 80 -si está en Centroamérica, es una amenaza y probablemente haya que dispararle con una minigun- y, en retrospectiva, probablemente también a su política medioambiental. Pero eso no importa: La alegría primigenia de Predator radica en el continuo cambio de las probabilidades -que, para empezar, nunca fueron muy favorables a la humanidad- a medida que uno tras otro de sus comandos va cayendo abatido, dejando sólo a uno para el enfrentamiento culminante. Por suerte, es el correcto.

En el nuevo milenio, la capacidad de los cineastas para eliminar digitalmente los cables de soporte cambió los parámetros en pantalla de la coreografía de artes marciales, posiblemente para peor. Pero si Hong Kong y Hollywood habían perdido un poco el norte, en Tailandia seguían haciendo las cosas a la antigua usanza. Phanom Yeerum -también conocido como Tony Jaa en los territorios de habla inglesa- combinaba la agilidad felina de Jackie Chan y la punzante habilidad cuerpo a cuerpo de Jet Li, con su propio estilo de destrucción influenciado por el Muay Thai.

No hay cables ni CGI a la vista mientras derriba a los malvados que robaron la estatua de Buda de su aldea, y si le falta cierta presencia interpretativa, su fluidez al estilo parkour lo compensa con creces.

Durante un tiempo, Terminator fue la película más taquillera de todos los tiempos en términos de relación coste-beneficio (desde entonces ha sido superada por El proyecto de la bruja de Blair). Desde luego, no se rodó a por poco-6,4 millones de dólares era una buena cantidad en 1984-, pero James Cameron consiguió exprimir al máximo cada mísero dólar. Así que, aunque carece de la elegancia, el estilo CG y el gran alcance de su sucesora (que se sitúa en esta lista en un lugar realmente impresionante aún por llegar), podría decirse que Terminator tiene la ventaja en garra, peso e intensidad.

Si añadimos el hecho de que fue obra de un cineasta que sólo tenía una película en su haber (la desastrosa Piraña, segunda parte, de 1981), el resultado es algo realmente impresionante: un gran éxito contra todo pronóstico que lanzó las carreras de dos hombres que, en la década siguiente, reescribirían por completo las reglas de la acción.

¿Qué te parece esta premisa para una película convencional? Un policía redefine el concepto de "infiltración" injertándose quirúrgicamente la cara de un cerebro criminal en su propia cabeza, una táctica que resulta contraproducente cuando dicho criminal le roba la cara y se mete en la cama con su mujer. Parece absurdo, si no una auténtica locura. Además, los dos protagonistas están interpretados por Nicolas Cage y John Travolta. Veinticinco años después, sin embargo, uno desearía que el Hollywood contemporáneo tuviera las agallas de intentar algo tan disparatado.

Aunque se edita en dos "volúmenes", la extraordinaria obra maestra de artes marciales de Quentin Tarantino se ve mejor como un todo de cuatro horas. La primera parte, repleta de acción, detalla cronológicamente la venganza de la Novia (Uma Thurman), una asesina entrenada para matar a los antiguos socios que la abandonaron a ella y a su hijo nonato. Culmina con la célebre secuencia de la Casa de las Hojas Azules, en la que nuestra heroína, con su espada en ristre, acaba con una pandilla de antagonistas enmascarados y afeita algo más que el pelo de la villana yakuza interpretada por Lucy Liu.

¿No son estos los 12 minutos iniciales más eufóricos de cualquier película, olvidemos las de acción? Steven Spielberg y el gurú conceptual George Lucas siempre inclinan sus películas hacia los seriales cliffhanger de los años 30. Consideremos En busca del arca perdida más bien como una declaración de incesante impulso hacia adelante, hecha por dos impacientes mocosos del cine que reescriben las reglas de Hollywood.

En busca del Arca Perdida, por su parte, te sumerge de lleno en ella, sin apenas tiempo para pensar. (Puede que sea más obra maestra que cualquiera de los otros triunfos de Spielberg, simplemente por desenterrar el tesoro de la persecución, hacer correr la magia durante dos horas perfectas y luego, sugestivamente, esconderlo en un almacén polvoriento).

Terminator es una película de ciencia ficción perfecta, repleta de ideas e invenciones, pero gracias en gran parte a su ajustado presupuesto, la acción puede parecer un poco limitada. La secuela no sufrió tales contratiempos. A estas alturas, James Cameron, el director más solicitado de Hollywood, disponía de un cheque en blanco para hacer realidad sus visiones destructivas más extremas, y el resultado es una película que se dispara de un escenario incendiario a otro, sin apenas detenerse a respirar mientras camiones incendiados, coches de policía que explotan y helicópteros estrellados se amontonan a su paso.

Es un día cualquiera para el policía de Hong Kong 'Tequila' Yuen (Chow Yun Fat) y su compañero, hasta que la operación que están supervisando en una casa de té sale muy mal. Uno de los agentes muere. Tequila, por su parte, se abre paso entre los malos y acaba con un gángster de un disparo en la cara. Esa es sólo la escena inicial del vigoroso thriller policial de John Woo. Con el tiempo, aparece un agente encubierto, Alan (Tony Leung), que se enfrenta a Tequila, aunque al más puro estilo Woo, ambos hombres descubren que tienen códigos estoicos similares y un objetivo idéntico: acabar con el sindicato criminal liderado por el despiadado mafioso Johnny Wong (Anthony Wong).

No es casualidad que la persecución de coches se haya convertido en una de las piedras angulares del cine popular. Aquí está todo lo que se puede pedir a una escena de acción: velocidad, intensidad, ruido, competitividad, palabrotas, disparos, superficies brillantes y cosas que explotan. Y ningún cineasta ha rodado mejor una persecución a todo gas que el legendario australiano George Miller, haciendo todo lo posible para que sintamos cada bache de la carretera, cada chirrido de los engranajes, cada golpe en el guardabarros.

El guerrero de la carretera es, sin duda, el mejor momento de Miller como director, ya que sienta las bases narrativas en los primeros 20 minutos aproximadamente: Max (Gibson) acepta ayudar a un grupo de supervivientes a sacar un camión lleno de petróleo del desierto australiano, mientras un grupo de chiflados vestidos de cuero intentan detenerle. Y cuando Miller se pone manos a la obra, no hay director en el mundo que pueda igualarle.

La fama de Bruce Lee se basa en apenas cuatro películas que hizo de adulto, y Operación Dragon fue el relámpago que lo transformó en un icono de la taquilla internacional, un mes después de su muerte. Una película legendaria, en realidad no debería serlo: La producción fue un desastre, el director Robert Clouse era un chapucero y el guion, en general, un asco. Pero las interpretaciones están por encima de todo. El pedigrí hollywoodiense del proyecto permitió a Lee deshacerse de toda pretensión de encantar al público de Hong Kong, su ciudad natal, e interpretar a un superhombre salvaje que es todo músculos engrasados y gracia salvaje, que sólo cobra vida cuando está en movimiento.

Hay que remontarse a la época de las comedias mudas de Harold Lloyd y Buster Keaton para encontrar el equivalente a Jackie Chan en sus mejores tiempos en Hong Kong: una estrella que arriesgaba la vida para conseguir la toma que quería. Hoy en día, la frase "hace sus propias acrobacias" implica desafíos relativamente libres de riesgo, pero el apogeo de Chan en los 80 ofrece un nivel de locura totalmente distinto.

Ningún otro western ha demostrado ser tan duraderamente moderno o capaz de dirigirse a una generación más joven como éste. La guerra de Vietnam hacía estragos cuando se rodó la película, y Peckinpah aprovechó esas resonancias alegóricas, con la esperanza de confrontar a los espectadores con imágenes similares a las que veían en las noticias de la noche. Es una muestra de su virtuosismo (o ingenuidad) que la película recibiera una respuesta polarizada: algunos la aclamaron como una obra maestra, otros la señalaron como un signo de una forma de arte en bancarrota.

Corta la respiración por su suciedad sin concesiones, el todopoderoso dólar que lleva a los hombres buenos a la perdición y a los menos buenos a una recompensa mercenaria. Se hace eco de algunas de las luchas del propio director en Hollywood, pero sobre todo es un testimonio de integridad: Sé oscuro, sé profundo, y los verdaderos fans de la acción te seguirán hasta el ruinoso final.

Si nunca ha visto una película de Kurosawa y se pregunta por qué se le tiene en tan alta estima, este clásico de todos los tiempos es toda la prueba que necesita, entre otras cosas porque inspiró el muy querido, aunque ligeramente simplista, remake de Hollywood, Los siete magníficos. Con más de 200 minutos de duración, es también un ejemplo de libro de texto de cómo hacer que la acción signifique más, porque estamos totalmente absortos en las vidas de los personajes. Sentimos de verdad el miedo y el hambre abyecta de los vulnerables granjeros, tan desesperados por proteger su nueva cosecha que pagan a samuráis a sueldo con sus últimos granos de arroz. También sentimos la desesperación de los ronin sin amo dispuestos a aceptar el trabajo, ya que al menos significa cama y comida durante un tiempo.

Kurosawa dedica una hora a mostrarnos lo que está en juego, y otra hora a mostrarnos cómo el sabio líder Takashi Shimura, el volátil aspirante a samurái Toshiro Mifune y sus secuaces planean defenderse de sus merodeadores enemigos. Sin embargo, cuando estalla la acción, el flujo y reflujo de la estrategia es mucho más absorbente, las bajas golpean con fuerza y la recompensa es intensa. Para hacer una película de esta envergadura y profundidad hace falta valor, sabiduría y las habilidades formales necesarias para plasmar tus ambiciones en la pantalla.

Cuando James Cameron se puso las botas del terror espacial de Ridley Scott para dirigir la secuela de la brillante Alien, no trató de imitar la enfermiza, paranoica y lenta original. Se limitó a decir: "A la mierda con la sutileza" y apostó por las explosiones, los alienígenas y dejó que las armas (y los robots mecánicos) hablaran por sí solos. Donde antes había un sinfín de terror y pesadumbre en el espacio profundo, ahora había acción en toda regla en la gran pantalla. Cameron era relativamente novato en aquella época, ya que sólo había dirigido Terminator, pero se aficionó al trabajo de gran presupuesto con gusto.

Sigourney Weaver vuelve a enfrentarse a un despiadado enemigo con muchos dientes, esta vez en una colonia espacial abandonada, pero ahora rodeada de marines armados, empeñados en patear traseros y no aceptar nombres. Al igual que en Alien, la trama gira en torno a la obsesión de una corporación dominada por los hombres por desarrollar armas biológicas, sin importar el precio humano.

No ofrece una visión muy profunda de la condición humana (aunque la imagen de Bruce Willis caminando sobre cristales rotos podría interpretarse como una conmovedora metáfora de las pequeñas brutalidades de la vida).

La historia es tan ingeniosa que resulta increíble que a nadie se le hubiera ocurrido antes: Un grupo de terroristas invade un rascacielos y toma rehenes. Su única esperanza es un hombre encerrado con ellos, pero libre para vagar, un héroe solitario que debe eliminar a los malos uno a uno, al estilo de los juegos arcade, hasta llegar al Gran Jefe. Es cierto que hay precedentes, pero nadie había contado antes esta historia con tanta precisión. No es casualidad que, a raíz del éxito de la película, los clones brotaran como setas casi de la noche a la mañana, desde Jungla de Cristal en un barco (Under Siege) a Jungla de Cristal en un autobús (Speed).